O Mundo da Foto

Piada do Mês de Fevereiro

2012-02-01T08:02:00.000Z

O que será maior... a objectiva ou o bigode???

Cenas Engraçadas II

2012-02-01T08:01:00.002Z

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Cenas Engraçadas I

2012-02-01T08:01:00.001Z

As novas placas toponimicas

Sondagem

2012-02-01T08:01:00.000Z

Tutorial Photoshop CS5 - Light beams

2012-02-01T08:00:00.006Z

Faça o seu estabilizador

2012-02-01T08:00:00.001Z

Caros amantes da fotografia encontrei este vídeo e achei muito interessante, em tempos de crise que passamos neste momento, muitos gostariam de ter um estabilizador, mas agora não dá pelo motivo de não haver dinheiro suficiente para poder satisfazer a vontade.

Então faça você mesmo em casa, sem gastar muito dinheiro, fica com a sua imagem estabilizada e serve em qualquer câmara digital!

Usando materiais que deve ter em casa, demora mais ou menos 5min para montar e pronto. Pior que funciona MESMO!

Assista o vídeo abaixo e aprenda!!!

Câmara fotográfica é encontrada depois de passar um ano debaixo d’água

2012-02-01T08:00:00.000Z

Uma câmara fotográfica profissional Canon EOS 1000D foi encontrada depois de permanecer por aproximadamente um ano debaixo d’água. O fotógrafo de vida selvagem Markus Thompson, estava a mergulhar num trabalho na costa de Vancouver, província de British Columbia, no Canadá, quando encontrou a câmara.
Ela continha um cartão SD, o qual retirou e limpou. Depois Thompson colocou o cartão num leitor e funcionou perfeitamente, se deparando com cerca de 50 fotografias capturadas no mês de Agosto de 2010. As imagens são de férias entre família, mais precisamente de um bombeiro da Colúmbia Britânica (British Columbia).

Thompson, após verificar as imagens, decidiu usar a rede social Google para encontrar o dono da câmara postando a seguinte mensagem:

“São aproximadamente 50 fotos no cartão de uma viagem de férias. Se você conhece um bombeiro de British Columbia que tenha ganhado a competição Pacific Regional Firefit, tenha uma adorável esposa e uma filha de dois anos (agora) – avise-me. Eu adoraria devolver as suas fotografias das férias.”

Passando poucos dias, Thompson recebeu um e-mail de um dos amigos do bombeiro que sabia exactamente de quem ela pertencia, e acabou fazendo a devolução para o dono que, sem dúvida, ficou muito feliz por ter recuperado a câmara dada como “perdida”.

Piada do Mês Janeiro

2012-01-01T08:02:00.001Z

Quando nasce um Japonês.

S/T

2012-01-01T08:01:00.001Z

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S/T

2012-01-01T08:01:00.000Z

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O número guia e a “fitametria”

2012-01-01T08:00:00.004Z

O número guia (NG, ou GN, em inglês) é a chave para fitametrar correctamente. Não, não foi um erro de digitação. Vamos usar uma fita métrica e um pouco de matemática (não se assuste) para encontrar a exposição correcta relacionado com abertura do diafragma, ISO, potência do flash, e a distância do flash em relação ao sujeito.

Como faço para saber o número guia do meu flash? Fácil, vai encontrar no manual de instruções, nas especificações técnicas do equipamento. Normalmente os flashes trazem um número guia para o cálculo em metros, e outro para pés. Calcular a exposição também é simples.Suponhamos que o nosso flash imaginário tem um número guia 22 (métrico). Isso quer dizer que para uma distância de 1m, em carga máxima (1/1), e ISO 100, a abertura do diafragma deverá ser f22 para se conseguir a exposição correta. Temos uma exposição perfeita nessas condições, mas e se quisermos uma abertura maior, ou aumentar a distância entre o flash e o sujeito da foto? Para isso precisamos nos lembrar de duas regras elementares na fotografia.

A primeira é a lei da reciprocidade. Sempre que abra um ponto na exposição, de f8 para f5.6, por exemplo, ou de 1/60 para 1/30, ou ainda no ISO (ex: de 100 para 200), o dobro de luz atinge o sensor. Da mesma forma, quando fechamos um ponto recebemos a metade da luz. Sempre que encontramos a exposição para uma cena e queremos alterar um dos valores, outro valor deverá ser alterado da mesma forma, para compensar.

Exemplo: Encontramos a exposição para ISO 100, 1/125 e f8. Se quisermos mais profundidade de campo e fecharmos o diafragma num ponto, devemos compensar com um ponto no ISO, ou na potência utilizada no flash.

Outro fundamento que devemos nos lembrar é a lei do inverso do quadrado da distância. É simplesmente a lei que rege o universo. Gravidade, ondas de rádio, radiação etc. Muita coisa no mundo (e fora dele) obedece esse princípio. Para entendermos como isso se aplica à luz, vamos pensar de trás pra frente. Distância, quadrado, inverso.

Exemplo: Já achamos a exposição para 1m. Distância = 1; quadrado = 1². O resultado é 1. Temos exactamente a luz que queremos, sem perda se afastarmos o flash para 2m, temos: distância = 2; quadrado = 2²; inverso = 1/2² = 1/4. Perdemos 1/4 da luz que encontramos anteriormente! A 3 metros, a mesma lógica: 3m; 3²; 1/9.
Voltando à nossa fitametria, jogando tudo no liquidificador e levando ao forno até dourar, chegamos à seguinte conclusão:

O número guia do nosso flash imaginário é 22, lembram? De novo, isso quer dizer que medindo exactamente 1m na nossa fita métrica, ISO 100 e carga máxima, o diafragma deve ser f22. Mas precisamos de mais espaço. Tem de afastar o flash para 2m. Sabemos que a 1m temos f22, e sabemos que afastando para 2m perdemos 1/4 de luz. Sabemos também que se abrirmos um ponto, o dobro da luz entra. Ora, ora, ora… Quer dizer então que, uma vez que encontramos a exposição para 1m, é só abrirmos 2 pontos para que o quádruplo de luz entre e, assim, chegamos à exposição para 2m? Exactamente! Se a 1m temos f22, a 2m teremos f11! Mas e se eu quiser f11 a 1m de distância? Se a 2m perdi 1/4 de luz e compensei abrindo 2 pontos no diafragma, se voltarmos para 1m teremos o quadruplo de luz a f11, certo? Então que tal manter f11 a 1m e diminuir a potência do flash? de carga máxima, 1/1, para 1/4 de carga. Bingo! Tem exactamente a mesma exposição!

“Mas o número guia do meu flash é 28 e a abertura mínima da minha lente é f22! Ai, meu Deus!“ " Agora é que elas ???" Perceba que fechando um ponto de f22 temos f32. E que a sua câmara provavelmente trabalha em terços. f28 seria 2/3 de ponto, nesse caso. É só diminuir 2/3 na potência do seu flash e você encontra exactamente a mesma exposição para um flash de número guia 22 em carga máxima. Lembre-se: tudo está relacionado. ISO, abertura, potência do flash, e distância do flash em relação ao objecto fotografado. Quando encontramos a exposição que queremos e alteramos um deles, algum outro deve ser alterado para manter a mesma exposição.

Agora tente praticar! Pegue na sua câmara, no flash, a fita métrica e o seu raciocínio rápido intergaláctico e teste todas as possibilidades, pensando nas duas leis fundamentais de que foi falado.

Nota: Foi feito algumas alterações neste post.
Fonte: Fotografia-DG

Redução de ruído no Lightroom

2012-01-01T08:00:00.003Z

Dosvários problemas surgidos durante a edição de uma imagem, o inimigo mortal dos fotógrafosé o ruído. A origem do problema ocorre durante a captura.

Se a câmara estiver regulada para elevados valores de ISO ou paraum tempo de exposição muito grande (a partir de 1/20s), éinevitável que ocorra a aparição de ruído – a menos que o fotógrafo tenhautilizado uma câmara full-frame, que é a única maneira segura de se livrar dogranulado antes do pós-processamento da fotografia.

As câmaras full-frameainda não conquistaram completamente o mercado fotográfico, sendo adquiridasquase exclusivamente por fotógrafos profissionais, que dependem daqualidade de sua imagem para manter o trabalho. Por isso, o ruído aindacontamina a imagem da maioria dos amadores e aprendizes da Fotografia.Pensando em auxiliar na remoção do indesejável granulado, os softwares deimagem mais completos, Adobe Photoshop e Lightroom, dispõemfiltros com essa função. O mais prático e eficiente deles está no Lightroom 3.

É sempre importante lembrar a importância de fotografar em RAW . Esse formato permitetrabalhar com os ajustes sem que a qualidade da imagem seja comprometida. O bomresultado do tratamento depende disso.

Como reduzir o ruído através doLightroom:

1º passo:Importe a imagem para o Lightroom e vá para o modo Develop/Revelação.
2ºpasso: Aumenteo zoom da foto para facilitar a visualização durante a correcção do ruído.
3ºpasso: Cliqueno menu Detail/Detalhes, na parte direita. Em Noise Reduction/Redução de Ruído,os seguintes controles estarão disponíveis: Luminance/Luminância – Detail/Detahe– Contrast/Contraste – Color/Cor – Detail/Detalhe.

Luminância: Reduz o ruído de luminância.

Detalhe: Controla o limite de ruído deluminância. Útil para fotografias muito ruidosas. Valores superiores preservam maisdetalhes, mas produzem resultados mais ruidosos. Valores inferiores produzemresultados mais limpos,mas também removem alguns detalhes.

Contraste: Controla o contraste da luminância.Útil para fotografias muito ruidosas. Valores superiores preservam o contraste, maspodem produzir borrões ruidosos. Valores inferiores produzem resultados maisharmoniosos, mas também têm menos contraste.

Cor: Reduz o ruído de cor.

Detalhe: Controla o limite de ruído decor. Valores superiores protegem bordas finas e detalhadas, mas podem resultarem salpicado de cor. Valores inferiores removem salpicados de cor, mas tambémpodem resultarem sangramento de cor.

4ºpasso: Os trêsprimeiros controles ajustam o ruído de luminância; os dois últimos ajustam oruído de cor. Altere-os cuidadosamente de acordo com imagem utilizada. Veja oresultado:

Fonte: Fotografe uma Idéia!

Como fazer montagens no Photoshop

2012-01-01T08:00:00.002Z

Muita gente fica de boca aberta ao ver montagens fotográficas profissionais, que deixam qualquer um na dúvida sobre a foto ser ou não real, de facto.

Por causa de algumas montagens, correm muitos processos jurídicos de gente famosa que teve as suas fotografias postas “à prova”, como foi o caso do pugilista Oscar de La Hoya, vestido de mulher. Segundo ele, tudo não passa de uma montagem, e os “responsáveis” pela difamação serão punidos. Veja a foto em baixo:

Oscar de La Hoya vestido de mulher

Se a fotografia é ou não “real”,não saberemos. Neste post vai aprender como ficar com a “cara” do Brad Pitt. Neste tutorial, está a ser utilizando o Photoshop CS 3.

01) A primeira coisa a fazer é ter as duas imagens em mãos. Dê preferência a imagens que estejam na mesma perspectiva, e no mesmo ângulo de perfil, se for o caso. Pare e pense: foto que se “encaixa” na outra? Em caso positivo, a montagem fica bem mais fácil de ser produzida.

Vai ser utilizada estas duas imagens:

Estas fotografias estão a ser utilizada para fins meramente ilustrativos.

02) Com as duas fotografias abertas no Photoshop, você provavelmente verá, no canto inferior direito da tela, uma janela chamada “Layers”, ou seja, camadas. O Photoshop trabalha com camadas de sobreposição nas suas imagens. Imagine que as camadas são como papéis transparentes sobrepostos, cada um contendo uma parte do desenho. É como se, num desenho animado, uma camada ficasse para o fundo, outra para um personagem, outra para o cenário, etc.

Clique e arraste a camada “Background”, como mostra em cima, para a outra fotografia a ser montada, neste caso, a do Brad.

03) Agora que a sua fotografia já está sobreposta na foto a ser montada, vai precisar torná-la um pouco transparente, para fazer os ajustes necessários. Já reparou que as fotografias têm perfis diferente (o Brad está a olhar para a direita e a outra está a olhar para a esquerda)? Para deixar os dois a olhar para a mesma direcção, tenha certeza que a “Layer 1″ esteja seleccionada na tela das camadas (Layers), e vá em Edit – Transform – Flip Horizontal, na barra principal do programa (a primeira, logo em cima). Este comando faz que a fotografia seja invertida horizontalmente, mudando a posição do rosto. Pense que está virado a fotografia no eixo horizontal; caso fosse vertical, o resultado seria uma fotografia de ponta-cabeça.

04) Agora que os dois olham para a mesma direcção, precisa de ajustar a sua fotografia para que fique correctamente sobreposta no rosto do Brad. Ajuste a opacidade da camada da sua fotografia: na parte inferior direita da tela, na janela “Layers”, existe uma opção “opacity” que controla a transparência da fotografia. Quanto menor a percentagem, mais transparente fica. Deixe esta opção em 40% para a “Layer 1″.

05) Agora, com a “Layer 1″ ainda seleccionada, aperte Ctrl + T para activar a ferramenta Free Transform. Como o próprio nome já diz, esta ferramenta serve para ajustar o tamanho, perspectiva, inclinação, posição e rotação da sua camada, livremente. É bem intuitiva, e não é difícil de utilizá-la. À medida que for passando o rato sobre a imagem, verá algumas setas: caso seja dentro da imagem, terá a opção de mudá-la de posição; caso seja nas bordas, poderá alterar o tamanho da imagem, e nas bordas diagonais, alterar o tamanho da altura e da largura.

Dica: Ao mudar o tamanho pela borda diagonal, mantenha pressionada a tecla Shift para manter as proporções da sua fotografia, e não deixá-la “deformada”, ou seja, com a altura maior que a largura, ou vice-versa. Passando o rato no lado externo da imagem, verá um conjunto de duas setas, que servem para rotacionar a camada. Teste bem, e ajuste a sua imagem para que “caiba” perfeitamente no rosto do Brad, como uma máscara. Após o ajuste, tecla Enter. A fotografia ficará mais ou menos assim:

Dica: Se fizer algo errado, basta teclar Ctrl + Z para desfazer a última alteração. Para alterações anteriores, Ctrl+ Alt + Z.

06) Agora sim, vem a parte da “montagem” propriamente dita. A melhor forma de fazer a montagens é adicionando uma “máscara” na fotografia sobreposta, e fazer os ajustes necessários. Com isso, será possível tornar transparente algumas partes da fotografia, da sua preferência.
As máscaras no Photoshop utilizam o padrão “black to white”: quanto mais escura a cor utilizada para pintar a máscara, mais transparente fica a camada. Vamos ver isto na prática:
Com a “Layer 1″ seleccionada, clique no botão “Add Layer Mask”, na janela das camadas, na parte inferior (é um botão com um rectângulo e um círculo no meio), como mostra na imagem:

Será criada, ao lado da “Layer 1″, uma “máscara” de transparência, na cor branca. Para conseguir deixar a parte externa da fotografia (ou seja, tudo que não se encaixe com o rosto) transparente, precisará seleccionar a ferramenta brush, ou o pincel, e escolher a cor preta. O atalho para esta ferramenta é a tecla B.

07) Após seleccionar a ferramenta, tenha a certeza de que a máscara esteja seleccionada (caso tenha dúvidas, dê um clique com o botão esquerdo do rato na “máscara” branca que aparece ao lado da Layer 1), e seleccione a cor preta, na janela logo acima das Layers, caso ainda não esteja seleccionada.

08)transparentes. Vá fazendo isto até ter somente os detalhes do rosto da sua fotografia, como olhos, boca e nariz, vísiveis. Não se preocupe com o caso de “comer” uma parte da sua fotografia: para torná-la opaca novamente, tecla X (atalho utilizado para trocar as duas cores seleccionadas na aba “Colors”) e escolha a cor branca, caso ela já não esteja seleccionada. Após isso, pinte a parte transparente, e ela voltará a aparecer.
Como foi falado anteriormente, quanto mais escura a cor utilizada para pintar a máscara, mais transparente fica a sua camada. Portanto, pintado-a na cor branca, está tornando-a 0% transparente. Inclusive pode utilizar cores menos escuras para dar um efeito não muito transparente. Veja como vai ficar a sua imagem, até agora:

Já dá para perceber como a fotografia vai ficar, não? Está um pouco distorcida porque tem o zoom para mostrar os detalhes. Pode fazer o mesmo teclando Z e clique com o botão esquerdo na fotografia, para aumentar o zoom, ou segure a tecla Alt e clique com o botão esquerdo, para diminuí-lo. Ou ainda, pode segurar a tecla Alt e girar a roda central do rato, caso tenha 3 botões. Para que a imagem volte a ter o zoom em 100%, o atalho é Ctrl + Alt + Número 0 (zero).

09) Após o retoque, é hora de ver como vai ficar a sua imagem. Lembre-se quando ajustou a opacidade da camada, no passo número 4? Vai fazer o mesmo, só que, desta vez, coloque a opacidade da camada da sua fotografia em 100%. Veja como vai ficar a fotografia:

Agora, é só ajustar o tamanho com Ctrl +T novamente, caso seja preciso, e “pintar” a máscara onde for necessário, da mesma forma que nos passos 6, 7 e 8. Veja como vai ficar a fotografia ajustada (está quase pronta, falta só mais um passo):

Mas… e a cor da camada, que está ligeiramente diferente do tom de pele de Brad Pitt, sem falar na iluminação?
É aí que entram os ajustes de Levels (ou Níveis, em português). São eles que controlam a iluminação e a saturação das camadas, possibilitando a mudança de tons de pele, cor, luz, sombras, e muito mais.
Para abrir a janela de Levels, tecla Ctrl + L. Verá o menu suspenso “Channels” (canais) com as opções: RGB, Red, Green e Blue.

Seleccione RGB, e irá controlar os níveis de todas as cores da camada. Red, você irá ajustar o canal da cor Vermelha. Green, o Verde. Blue, o da cor Azul. Verá também algumas setas pequenas para ajuste na parte superior, em “Input Levels”, e outras na “Output Levels”. Não iremos usar termos técnicos aqui, então, entenda da seguinte forma: o “Input Levels” controla o contraste e exposição, enquanto o “Output Levels” controla o brilho (gama) das cores seleccionadas. As imagens geralmente utilizam o padrão RGB, que nada mais é uma mistura das cores Vermelha, Verde e Azul para “imprimir” as cores na tela. Se chegar bem perto da sua televisão, não percebe minúsculas “escamas” nestas 3 cores? Então, a mistura e a intensidade de cada cor em diversos pontos, formam a imagem propriamente dita.
Como este é um tutorial para “facilitar” as coisas, vá mexendo nos níveis para saber como eles funcionam, e tente deixar a sua fotografia com o padrão de cor e iluminação da fotografia sobreposta. Lembre-se: uma montagem nada mais é que uma “máscara” propriamente dita, colocada em cima da fotografia a ser sobreposta. Após ter um resultado agradável, clique em “ok” na janela “Levels“. Veja a foto original e o resultado final, e compare:

Agora, já pode espalhar para os seus amigos que tirou uma fotografia com a Angelina Jolie, ou outra personagem conhecida!

Nota: Neste post foi feito algumas alterações e a correcção ortográfico.

Fonte: Tutorial como fazer montagens no photoshop.

Lente Invertida

2012-01-01T08:00:00.000Z

Hoje em dia não é novidade alguma que na fotografia, seja amadora ou profissional, é necessário usar a criatividade. Nos dias de hoje, quando tudo está muito caro, é preciso usar a imaginação ao extremo!
O maior problema para maioria dos fotógrafos é o preço das objectivas. Mas há soluções para algumas situações. Uma delas, é o macro.

Existe uma técnica para a substituição da lente de macro até conhecida, mas pouco falada: a inversão da lente, no sentido mais literal da expressão. Não é uma técnica muito ortodoxa, mas de belíssimo resultado. Retira a lente da câmara, acopla a parte da frente no lugar de onde foi retirada, segurando sempre, já que não tem como rosquear. Daí é só aproximar o máximo do objectivo e ir afastando muito lentamente observando o foco. Previamente, o telémetro deve estar marcando a distância mínima e não deve ser alterado no momento da focagem do objecto. É isso mesmo: nesta técnica, deve-se focar afastando-se ou aproximando-se do objecto.

Como todas as lentes tem os seus prós e contras, veremos algumas dicas:

- Para ter uma boa profundidade de campo é necessário que as fotografias sejam feitas ao ar livre ou com boa iluminação indirecta (interiores com com grande iluminação natural) de preferência com abertura menor que f 4.

- Tem que haver uma firmeza muito grande nas mãos se for fazer sem o tripé. Isso porque uma das mãos sustenta a câmara e a outra a lente. Como qualquer macro, é necessário que as mãos fiquem bem firmes pois os resultados são desastrosos. Se não houver certeza, use um tripé ou aumente a velocidade do obturador.

- Velocidades acima de 1/125 tendem a evitar que o objecto esteja tremido, seja pelo movimento dele ou um leve tremor do fotógrafo.

- Os resultados saem perfeitos com o ISO 400, mas as cores tendem a ficar mais contrastantes de for ISO 200 ou menor.

- Não se esqueça que para um melhor resultado, é necessário que o telémetro esteja posicionado na menor distância focal.

As dicas estão aí, agora é só usar a criatividade para fazer a sua fotografia perfeita.

Nota: Neste post foi feito algumas alterações e correção ortográfico.
Fonte: Macrofotografia

Feliz Natal

2011-12-06T11:55:00.000Z

Desejo-vos um Feliz Natal e Feliz Ano Novo!

Piada do Mês de Dezembro

2011-12-01T08:02:00.000Z

Digam Fiiiish...

S/T

2011-12-01T08:01:00.001Z

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Tamanho x Resolução

2011-12-01T08:00:00.007Z

Segue em baixo uma tabela muito útil para quem gosta de tirar fotografias, mas na hora de mandar amplia-las, não sabe qual o limite da ampliação para uma imagem de qualidade - chega de dúvidas!!!!

Fonte: Foto Aula

Como tirar a foto perfeita para o seu perfil no Facebook

2011-12-01T08:00:00.005Z

Siga estas nossas cinco dicas simples e deixe a fotografia do seu perfil mais atraente. Isto também funcionam para o Orkut, Twitter, Windows Live e outras redes!

Foi visto recentemente, algo que pareceu estranho: alguém estava a anunciar um serviço especializado em fotografia para perfis do Facebook. A que pergunte que certamente todos fariam, porque é que alguém pagaria para ter uma fotografia de 100 pixeis para um perfil, mas faz se notar que há fóruns na Internet lotados de pessoas a ir buscar conselhos sobre como tirar fotografias para o perfil.

Parece que os usuários mudam a fotografia frequentemente, em vez de escolher uma e continuar com ela (como a fotografia do cartão do cidadão). Pareceu uma boa oportunidade para dar dicas específicas para quem quer uma bela fotografia para o seu perfil na rede social favorita, seja ela o Facebook, Orkut, Twitter ou qualquer outra. Vamos lá?

Seja “quadrado”

Retratos tradicionais tem orientação vertical, são mais altos do que largos. Isto não acontece com as fotografias usadas nos perfis da maioria (se não todas) das redes sociais: seja o Facebook, Ourkut, Flickr, MySpace ou Windows Live, a pequena moldura que irá abrigar a sua fotografia é quase sempre quadrada.

Isto pode ser um desafio, já que as pessoas tendem a pensar em retratos como rectangulares. Ao tirar a fotografia use o zoom (ou aproxime se da câmara) para “encher o quadro” e enfatize o rosto, não o resto do seu corpo. Se não fizer isso, vai parecer minúsculo, ou o fundo da fotografia vai aparecer mais do que o seu rosto.

Use um fundo simples

Por falar em fundo, o melhor é mantê-lo o mais simples possível. Lembre que a fotografia do seu perfil vai ser muito pequena. No Facebook, por exemplo, a maioria das pessoas vê uma foto de perfil com 50 pixeis de lado. É como olhar para um selo a 1 metro de distância, então quaisquer detalhes no fundo vão acabar por se parecendo com “ruído”. Pode até saber para o que está a olhar, mas só porque já viu a fotografia quando tinha uma resolução de 10 Megapixels. Já os visitantes no Facebook provavelmente não terão a mínima ideia do que está a acontecer.

Algumas pessoas gostam de usar objectos de cena ou um fundo representativo, mas acredita que as melhores fotografias de perfil tem um fundo “liso”.

Um fundo "simples" destaca o rosto, tornando a fotografia mais interessante

Preencha o quadro

Já sabe que a fotografia terá uma proporção quadrada, e que um fundo simples é a melhor opção. Qual o próximo passo? Preencher o máximo do quadro que puder. Fotografias em close, onde o rosto ocupa toda a imagem, são a melhor opção para perfis online, já que permitem aos visitantes identificá-lo facilmente. Mas não exagere. Algumas pessoas exageram tanto no zoom que só é possível ver parte do rosto. Não é algo bonito: a que passamos a chamar esta pose de “socorro, me tire daqui!”.

Uma das coisa que raramente funciona bem são as fotografias com várias pessoas. É frequente ver fotografias de duas ou três pessoas, às vezes de uma família inteira, enfiadas naquelas minúsculas molduras. Identificar qualquer pessoa, ou coisa, num espaço tão pequeno se torna um desafio. Uma dica: deixe as fotografias de grupos so seu álbum, e no perfil concentre-se em só em si.

Preencha o quadro com o seu rosto, só tenha cuidado para não exagerar!

Use bastante luz
A luz é sempre importante na hora de tirar qualquer tipo de fotografia, mais ainda se está usar o telemóvel. O flash da câmara é o seu inimigo: fotografiass em close podem ficar “lavadas” por causa da luz intensa, e no escuro provavelmente irá aparecer com os olhos vermelhos.

Atenção ao ângulo

Uma última dica: cuidado com o ângulo. Retratos podem ser feitos “de frente”, “de baixo” (câmara abaixo do rosto da pessoa fotografada), “de cima” (câmara acima do rosto) ou de lado. As pessoas geralmente parecem mais fotogénicas quando fotografadas de cima, e é por isso que se vê um monte de fotografias com pessoas a olhar para cima no Facebook. É um cliché, mas funciona. Pode fazer o mesmo, basta esticar o braço, segurar o telemóvel na altura da sua testa e olhar para a lente. Já o contrário, fotografias feitas de baixo, raramente são tão atraentes.

Nota: Neste post foi feito algumas alterações e correções ortográficas.

Fonte: Pc World

Fotógrafa de 61 anos regista gotas

2011-12-01T08:00:00.003Z

A fotógrafa canadense Corrie White, 61 anos, está a conquistar pessoas com as suas fotografias de gotas. As imagens são registadas na cozinha da sua própria casa, as fotografias mostram o momento em que os pingos caem sobre outros líquidos, gerando imagens que faz lembrar cogumelos, coroas e outras figuras.

A fotógrafa canadense Corrie White está fazendo sucesso no site Flickr com uma série de registos de gotas. Aqui um pingo de leite cai numa xícara de café.

Corrie, começou a fotografar gotas no início deste ano. As imagens são feitas usando utensílios domésticos e uma mistura de água e leite. Às vezes, o líquido é colorido com corantes de alimentos.

O resultado desta fotografia faz lembrar uma pequena criatura marinha saindo da água pronta para a briga’, brinca Corrie. Ela conta que não usa aparelhos electrónicos para as suas imagens: "Tudo é feito manualmente".

Com um conta-gotas, a fotógrafa solta o líquido, enquanto a câmara fica programada para operar cinco segundos depois. "A primeira gota cai e forma uma coluna, aí a segunda cai e forma imagens como esta", conta.

Depois de ter o seu trabalho divulgado em jornais da Grã-Bretanha, Corrie decidiu homenagear os britânicos fotografando uma gota de leite caindo numa xícara de chá.

Segundo Corrie, ela nunca leva muito tempo para conseguir "resultados interessantes". "Meu timing é muito bom", reconhece.

Nesta imagem, duas gotas colidem em pleno ar, num efeito inesperado. O sucesso da série no Flickr pegou Corrie "de surpresa". Ela promete lançar um site próprio em breve.

Com quatro filhos e oito netos, Corrie agora está "semi-aposentada".O seu trabalho também inclui fotos de cristais de gelo e paisagens do Canadá.

Para conhecer melhor o trabalho de Corrie White visite o Flickr.

Nota: Neste post foi feito algumas correcções.

Fonte: Laizek.

8 Sugestões para o Natal

2011-12-01T08:00:00.002Z

Se tem um familiar ou amigo que é apaixonado pela fotografia, ficam aqui 8 sugestões de presentes de Natal apropriados para cada tipo de personalidade fotográfica.

1. Para o apaixonado pela fotografia tradicional
Para quem gosta da fotografia tradicional, especialmente das máquinas fotográficas vintage, das revelações manuais… o ideal é oferecer ou uma máquina fotográfica antiga funcional, que poderá encontrar nas feiras de antiguidades, num site de leilões, ou num site especialista de venda de máquinas fotográficas coleccionáveis. Antes de comprar uma câmara destas tenha em atenção para se certificar que ela ainda funciona, e que não servirá apenas para museu.

2. Para o high-tech
Para quem gosta de trabalhar digitalmente as fotografias então oferecer um programa de tratamento digital como o Phase One, o Photoshop ou o Corel Draw podem ser excelentes opções. Óptimo para trabalhar fotografias em RAW e para criar boas iluminações. É certamente algumas boas opções para quem quer trabalhar fotografias digitalmente.

3. Para o viajante urbano
Para quem viaja, é sempre útil levar consigo uma bateria ou cartão de memória extra, bem como um mini-tripé que seja capaz de segurar a sua câmara fotográfica em qualquer perspectiva. Oferecer um kit ou um destes para quem gosta de viajar será certamente um bom presente de Natal.

4. Para quem quer começar a fotografar
Se a pessoa quer começar a fotografar sem a ajuda dos programas automáticos, então está na hora de ter uma câmara fotográfica digital SLR. Oferecer uma câmara como uma Canon 550 D pode ser uma boa ideia, dado que este modelo costuma vir com kits interessantes que incluem uma lente básica 18-55 e, por vezes, o saco de transporte.

5. Para quem gosta de fotografar as saídas à noite
Se vai oferecer uma câmara a alguém que gosta de mostrar estilo, gosta de tirar umas fotografias em festas… então opte por uma câmara leve e de pequena espessura, uma “point and shoot” com estilo como uma Leica C-Lux com 5X10 cm. Oferecerá o estilo e qualidade que uma máquina destas pode oferecer.

6. Para quem não sabe nada sobre fotografia
Para quem não sabe nada acerca de fotografia, o ideal é começar com uma máquina digital “point and shoot”e ir divertindo-se, experimentando enquadramentos, composições, etc.. Isto para que a pessoa tome um conhecimento divertido com a fotografia e não um choque frontal muito complexo. Oferecer uma câmara digital como a Canon PowerShot S95, é uma boa ideia dentro deste género de prenda de Natal.

7. Para quem quer viajar leve
Para quem não quer abdicar de viajar sem a possibilidade de poder fotografar com uma objectiva jeitosa, uma DSLR de pequenas dimensões com objectivas amovíveis pode ser uma excelente ideia para oferecer. A Sony oferece uma boa opção nestas condições: a Sony NEX-5 que inclui uma objectiva amovível 18-55mm, tudo com metade do peso e da dimensão de uma comum câmara DSLR – excelente para um viajante que não quer levar muito equipamento fotográfico consigo.

8. Para quem quer começar a fotografar em estúdio
Se gostaria de oferecer algo a quem sabe que está a desejar começar fotografia de estúdio, poderá oferecer-lhe um kit de estúdio fotográfico que inclua uma sombrinha com tecido removível para soft light, um reflector e uma cabeça de flash com 500W.

Fonte: O Meu Olhar

Piada do Mês de Novembro

2011-11-01T08:02:00.001Z

Não intrometemos - Mantemos uma distância respeitável

S/T

2011-11-01T08:02:00.000Z

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Clip´s

2011-11-01T08:01:00.000Z

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Guerra com Câmaras Fotográficas

2011-11-01T08:00:00.012Z

No vídeo em baixo, seria uma guerra de câmaras ou uma guerra de fotógrafos?

Creio que seja mais uma guerra pela concorrência, a vontade de ser melhor, o desafio de conquistar novos clientes e de vender melhores equipamentos.

Mas observando pelo lado artístico, ficou realmente muito bom o vídeo, pode-se tirar várias conclusões deste cenário, já tirou a sua? Deixe a sua conclusão.

Quem precisa de um fotografo?

2011-11-01T08:00:00.010Z

Seria prepotência responder que todos precisam de um fotógrafo profissional, mas a verdade é que até os fotógrafos precisam dos colegas, seja para aprender (pelo erro ou acerto), para desenvolver princípios ou até mesmo para contratação. Em geral as pessoas pensam em fotógrafos para registar cerimónias tradicionais: aniversários de 15 anos, formaturas, noivados, casamentos, e esquecem a importância desse profissional em diversas outras categorias. Partindo do princípio de um momento extremamente visual, muitas áreas necessitam obrigatoriamente de um trabalho rigoroso.

A fotografia pode ser o factor decisivo durante o processo de aquisição, capaz de evidenciar o que é necessário, com qualidade e conceito. Se ninguém ver: não existe, se for ruim: descaracteriza, denigre, se for bom: agrada, motiva. Há uma vastidão de corporações que não sabem quais são os benefícios de imagens feitas por profissionais. Trabalho bem feito é um investimento, atribui maior destaque, principalmente se estiver vinculado a outras ferramentas comunicacionais.

Uma boa parte dos casos o cliente é motivado por concorrentes ou algum prestador de serviços (agências, fornecedores, criadores de sites, etc.), e não exclusivamente por vontade própria. Muitos precisam ilustrar alguma campanha ou até mesmo um catálogo e resolvem cogitar quanto custa uma produção “profissional”. Esse é o ponto, muitas empresas ainda não identificaram a necessidade de se expor profissionalmente, e não compreendem o quanto colaboraria com o fluxo de vendas ou prospecção.

Alguns pontos devem receber atenção especial:

Necessidades

Colectar dados é importante para poder expressar efectivamente a proposta do trabalho. O que deve ser aproveitado, o que ocultar, realçar, transmitir.

Valores e concorrentes

Actualmente quase todo o cliente veste a blindagem do “é caro”, afinal, ele deve ter uma câmara digital, então banaliza a actividade e cita que qualquer um pode fazer isso com um valor que não cobriria nem os principais custos. Tenha o preço sempre definido, assim como as vantagens em relação aos concorrentes – qualquer um com uma câmara – e a importância da produção compatível, pós-produção e entrega. E os bancos de imagens gratuitos? São utilizados como quebra-galho, e considerados concorrentes em potencial, mas não passam de uma solução rápida e provisória. Esse tipo de fotografia já está saturado na mente do espectador, não vende produto ou serviço, costuma ser mesmo um apoio ilustrativo com pouca força de expressão. Além disso, grande parte desses acervos disponibilizam imagens para uso não comercial.

Argumentação

É indispensável ter concisão na hora de induzir o cliente a aceitar a sessão de fotos. Alguns pontos que devem ser avaliados e citados:

qualidade;
destaque em relação ao concorrente;
exemplos de empresas bem sucedidas com apelo à imagem;
coerência com o desenvolvimento conceitual da empresa/marca/produto;

Prazo e contrato
Não deixe de citar os prazos, e negociá-los previamente, seja na reunião ou até mesmo no orçamento. No contrato deve haver tudo que foi concordado durante os contactos, é a garantia para o cliente e para o prestador de serviço, é uma forma de assegurar a validade de tudo que foi combinado. Nesse ponto a resistência de alguns clientes é substanciosa, por conta da falta de hábito de atribuir a fotografia à formalidade de prazos e termos. Seja rígido para não ter nem causar problemas. Contrato tem que ser obrigatório. Uma forma de encontrar um profissional é por indicação. Para fazer parte da lista deve existir uma conexão com representantes do mercado em interesse. Outro meio é a Internet, já parece uma tarefa fácil se jogar nesse mar de informações, mas ao digitar no Google “Fotógrafo Lisboa” há aproximadamente 12.600.000 resultados em 0,15 segundos. Refinar a busca também gera inúmeras páginas, mas se destacam os que investem em instrumentos digitais para aprimorar a relevância do que está sendo oferecido. Independentemente da maneira utilizada lembre-se sempre de expor o portfólio harmonicamente, categorize, facilite a navegação, favoreça as buscas, apresente o estúdio, os métodos e os clientes. O que faz? Foto publicitaria? Still de jóia? Foto de fachada? Fotojornalismo? Quem faz tudo raramente tem um trabalho satisfatório em todas as áreas, a escolha deve ser determinada e traçada coerentemente na apresentação.

Vale salientar que as imagens tem o poder de vincular beleza, vender ideias, ressaltar propósitos, mas também tem estruturalmente a mesma força para destruir tudo isso, então como reprodutor desse serviço, seja responsável, aceite o desafio se estiver apto. Não é a sua área? Indique um profissional experiente e confiável.
A fotografia em conjunto com outros métodos de marketing e promoção é uma eficiente vendedora, cria o elo memorável entre o que está exposto e a ideia principal. Inclusive agora com a Internet: compras virtuais, produtos reais, conceitos fundamentais. Nada melhor do que uma imagem fiel para representar adequadamente tudo que está contido em cada item.

Esta geração pode ser tecnologicamente autossuficiente, mas fotograficamente ainda não é. Qualquer um pode ter uma câmara, e todos esses são capazes de fotografar, mas estudo, técnica, aptidão, experiência, visão, feeling, etc., é um combo de sinónimos que não estão contidos no disparador, e cabe aos profissionais se especializar em cada vez mais, e aos clientes suprirem essa falha que ainda ocorre com frequência e profissionalizar a produção do conteúdo visual o quanto antes.

Nota: Neste post foi feito algumas alterações.
Fonte: Fotografia DG.

HDR (High Dynamic Range)

2011-11-01T08:00:00.008Z

Como amante da fotografia já deves, certamente, ter ouvido falar de HDR. HDR é a abreviatura de High Dynamic Range e pode ser traduzido para português como Grande Alcance Dinâmico. Esta técnica de pós-processamento permite-nos, tal como o nome indica, criar imagens que conseguem representar cenários onde o alcance dinâmico (relação entre o EV máximo e mínimo) não poderia ser representado numa fotografia normal.Por outras palavras, o HDR permite-nos retratar uma cena que tenha uma grande diferença de luminosidade entre as partes mais claras e as mais escuras.

Vejamos o exemplo em baixo para analisar 3 das opções que teríamos se quiséssemos fotografar esta paisagem onde a diferença de luminosidade entre os diversos elementos é muito grande.

-2 EV 0 EV +2 EV

1 2 3

1 Se quiséssemos captar os detalhes do céu e das nuvens teríamos de sub-expor tudo o resto, tirando completamente o interesse da imagem.
2 A opção intermédia, calculada por defeito pela câmara, talvez fosse a mais indicada. No entanto, nesta fotografia as partes mais claras do céu encontram-se queimadas e o segundo barco e a margem estão demasiado escuros.

3 Optando por sobre-expor a imagem, conseguimos realçar os detalhes do segundo barco e da margem mas, como é óbvio, o céu e parte dos reflexos no rio ficaram completamente queimados.

Se "pegarmos" nos pontos fortes de cada uma das 3 imagens podemos criar uma 4ª imagem onde todas as zonas ficam com o nível ideal de luminosidade. Isto consegue-se através do processamento HDR.

Propriedade Mário Pereira


Como fazer um HDR?

1. Tirar as fotografias

Para obterem os melhores resultados devem ter em atenção os seguintes pontos:

Usar tripé
Embora os programas tentem alinhar as imagens, se estas já estiverem perfeitamente alinhadas os resultados serão muito melhores.
Tirar as fotos em sequência rápida
Quanto mais tempo passar entre as capturas, maior a probabilidade de alguma coisa mudar na cena que estás a fotografar.
Usar focagem manual
Para garantir que a focagem não muda entre as fotografias o melhor é usar focagem manual. Podes focar automaticamente e depois mudar para manual de forma a fixar a focagem.
Usar a mesma abertura
Como já foi referido, a abertura influencia a profundidade de campo. É aconselhado usar o modo de prioridade à abertura de modo a fixá-la para todas as fotografias.
Usar o mesmo ISO

De preferência o mais baixo possível para garantir fotografias sem ruído.

Se a sua câmara tiver a opção Auto Bracketing, usa-a. Esta opção permite escolher o intervalo EV entre as fotografias e tirá-las de forma sequencial.

No exemplo acima foram tiradas 3 fotografias com saltos de 2 EV. A 1ª com -2 EV, a 2ª normal e a 3ª com +2 EV.

2. Juntar as imagens

Para criar uma imagem HDR é necessário ter um software específico. Entre os programas capazes de fazer HDR estão o Photomatix, Photoshop e o Nik Software HDR mas, neste tutorial, vai ser utilizada o Photomatix.

É possível fazer download grátis de uma versão experimental aqui.

O objectivo deste artigo não é ser um tutorial deste programa mas sim dar uma ideia base de como fazer um HDR.

> Abre o Photomatix e carrega em "Generate HDR Image".

> Na janela seguinte escolhe as 3 fotografias base.

> Selecciona "Align source images" se tiraste as fotografias sem tripé e carrega em OK.

> Agora deve aparecer uma imagem que é a versão HDR por processar. Carrega na opção "Tone Mapping".

> Nesta fase podem jogar com as diferentes barras do lado esquerdo e ver como influenciam a imagem. São imensas as combinações e cada imagem é um caso. Não existe uma configuração que funcione para todas as situações. O segredo está mesmo em não ter medo de experimentar. As diferentes opções disponíveis na caixa "Presets", na parte inferior esquerda, podem ser um bom ponto de partida.

> Assim que estiveres satisfeito com o resultado carrega em "Process" para gerar a imagem HDR. Depois guarda a imagem no formato que quiser em "File - Save As".

Conclusão

O HDR é apenas uma técnica de pós-processamento e, como tal, não funciona bem em todas as fotografias. É preciso termos sentido de auto-crítica para identificar quando deve ou não ser usada.

Devemos sempre estar preparados para deitar o trabalho fora e tentar outra abordagem!

Nota: Neste post foi feito algumas alterações.

Fonte: Foca Essa Foca

A Linha do Tempo II

2011-11-01T08:00:00.006Z

1928-1929– O fotojornalismo desenvolve-se na Alemanha nas revistas Berliner Illustrierte e Münchener Illustrierte Presse. Os principais nomes dessa época são o alemão Erich Salomon e o britânico Felix Man.

1929– As fotografias começam a ocupar grande espaço na publicidade, considerada um dos principais processos de criação artística nesse período. Vários profissionais importantes na época, como Cecil Beaton, Man Ray, Moholy-Nagy e Edward Steichen, fazem fotografias publicitárias paralelamente ao seu trabalho artístico pessoal.

1932– O francês Henri Cartier-Bresson começa a sua carreira como fotojornalista, desenvolvendo um estilo definido por ele como a busca pelo "momento decisivo", isto é, pelo instante fugaz em que uma imagem se forma completamente em frente à câmara. Por isso, não realiza nenhum tipo de retoque ou manipulação das imagens. Cartier-Bresson torna-se o mais influente fotojornalista de sua época. Entre os seguidores do seu estilo estão Robert Doisneau, Willy Ronis e Edouard Boubat.

1932– Fundação do grupo (64, nos Estados Unidos (EUA), elos fotógrafos Ansel Adams, Edward Weston e seu filho Brett, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham e Sonia Noskowiak. O nome refere-se à mínima abertura das lentes (diafragma) que permite a máxima profundidade de campo com o máximo de nitidez, a principal proposta do grupo.

1933– O norte-americano Harold Edgerton desenvolve o flash electrónico.

1935– Os norte-americanos Leopold Godowsky Jr. e Leopold Mannes inventam o filme Kodachrome, que permite a obtenção de transparências (slides) coloridas com grande riqueza de detalhes e de tons, próprias para reprodução ou projecção.

1935-1943– A Farm Security Administration, entidade criada pelo presidente norte-americano Franklin Roosevelt para estudar e diminuir os problemas da população rural dos Estados Unidos (EUA) durante a Grande Depressão, recorre à fotografia para registrar as suas actividades, dando impulso à fotografia documental e de denúncia social.

Destacam-se o trabalho dos fotógrafos Walker Evans, Dorothea Lange, Margareth Bourke-White, Ben Shahn, Arthur Rothstein e Gordon Parks.

1936– O norte-americano Henry Luce funda a revista Life, nos Estados Unidos (EUA), com o objectivo de substituir a fotografia acidental, improvisada, por uma edição de fotografia planeada. Os fotógrafos a serviço da revista, um marco da foto reportagem mundial, são pautados para cada matéria e encorajados a produzir uma grande quantidade de imagens para dar mais opções de escolha aos editores. Vários dos principais nomes do fotojornalismo mundial trabalham para a Life, entre eles Robert Capa, que faz a cobertura de guerras em todo o mundo, durante vinte anos, até morrer no Vietname, ao pisar uma mina terrestre. Entre as suas fotos mais famosas estão a Morte de um Soldado Legalista (soldado sendo alvejado na Guerra Civil Espanhola, entre 1936-1939) e a série de imagens feitas durante o desembarque das tropas aliadas na Normandia, em 1944, durante a II Guerra Mundial.

1942– A Kodak introduz o filme Kodacolor, negativo colorido que permite a confecção de cópias em cores. Em 20 anos, o Kodacolor torna-se o filme mais popular entre os fotógrafos amadores. A empresa alemã Agfa, que havia desenvolvido o processo negativo-positivo colorido Agfacolor em 1936, começa a comercializá-lo apenas em 1949, devido à eclosão da II Guerra Mundial.

1945– A empresa austríaca Voigtländer desenvolve as lentes zoom, que permitem fotografar objectos situados a grande distância da câmara.

1947– Os fotógrafos Robert Capa, Daniel Seymour, Henri Cartier-Bresson e George Rodger fundam nos Estados Unidos (EUA) a agência cooperativa Magnum. Nela trabalham os principais nomes do fotojornalismo mundial, entre eles o norte-americano Eugene Smith, o suíço Werner Bischof e o brasileiro Sebastião Salgado.

1948– O norte-americano Edwin Land desenvolve a câmara Polaroid, que tira fotos instantâneas em preto e branco.

Década de 50– Após a II Guerra Mundial, uma corrente da fotografia volta a passar por uma fase abstracionista e deixa de ter o compromisso de registar a realidade. Adopta-se o uso expressivo e emocional das imagens. Nessa linha destaca-se o trabalho do norte-americano Minor White. Para ele, a fotografia deve ser transformada para que o espectador perceba a mensagem interior da imagem, não visível na superfície. Outros representantes dessa corrente são Aaron Siskind, Harry Callaham e Bill Brandt. No fotojornalismo, a cobertura fotográfica dos acontecimentos no pós-guerra ganha fôlego com as revistas Time e Newsweek, nos Estados Unidos (EUA); Paris Match, na França; e Der Spiegel e Stern, na Alemanha.

1955– O fotógrafo norte-americano Edward Steichen organiza no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) a exposição The Family of Man, uma selecção de cerca de 500 fotos tiradas em 68 países que registam todas as fases da vida humana, do nascimento à morte. A exposição, que teve grande repercussão mundial e se tornou um marco da fotografia documental, é levada a vários países e dá origem a um livro com diversas edições.

1959– Lançamento do livro The Americans, do fotógrafo norte-americano Robert Frank, registo fotográfico da viagem que fez pelos EUA com o poeta beat Jack Kerouak. Frank rompe com a tradição da fotografia documental, imparcial e distante, dando às suas imagens um carácter subjectivo.

Década de 60– Nesse período desenvolve-se um grande intercâmbio entre o trabalho de fotógrafos e artistas plásticos. Muitos fotógrafos usam técnicas manuais de manipulação de imagens, como retoques e pinturas de negativos e de cópias. Os pintores, por sua vez, imitam a visão fotográfica (figurativa) e introduzem fotos em suas obras, por meio de colagem ou reprodução em silkscreen, como ocorre na pop art, nos trabalhos dos norte-americanos Andy Warhol e James Rosenquist. A fotografia também é bastante utilizada pela arte conceitual, como meio para a expressão de um conceito.

1962– Os norte-americanos Emmett Leith e Juris Upatnieks e o soviético Yuri Denisyuk desenvolvem simultâneamente a holografia, fotografia em três dimensões obtida por meio da exposição de um filme ou chapa à luz de raio laser reflectida num objecto.

Década de 70– As fotografias ganham maior importância como obras de arte. Começam a ser produzidas com mais frequência em formato de livro, são exibidas em galerias e museus e compradas por coleccionadores. A fotografia passa também a ser objecto de estudo académico, como arte que deve ser compreendida e estudada, a exemplo das demais manifestações artísticas (pintura, música, literatura, entre outras). A fotografia documental continua a ser desenvolvida, apesar de ter perdido espaço para a televisão e o cinema. Aumenta o uso da cor, em especial na fotografia de moda e de publicidade.

Década de 80– Nesse período, é reforçada a visão da fotografia como obra capaz de transmitir informação e prazer, mas também como meio de comunicar mensagens políticas e sociais. Cresce a importância da imagem fotográfica como instrumento da publicidade. Um dos principais nomes da fotografia publicitária é o italiano Oliviero Toscani, que causa polémica com as campanhas para a grife Benetton, iniciadas em 1982, ao tratar de questões como violência e racismo nos seus trabalhos. Técnicas antigas de reprodução voltam a ser utilizadas para a produção de imagens mais elaboradas e verifica-se uma tendência a se reduzir o número de cópias de uma fotografia.

1981– O brasileiro Sebastião Salgado torna-se mundialmente conhecido ao ser o único fotógrafo a registar a tentativa de assassinato do presidente norte-americano Ronald Reagan. Representante da fotografia documental, Salgado se destaca nos anos 80 e 90 por suas grandes foto reportagens de denúncia social, publicadas em livros como Sahel: l'Homme en Détresse (1986), Trabalhadores (1993) e Terra (1997).

Década de 90– Intensifica-se o uso das câmaras digitais, principalmente no fotojornalismo e na publicidade. Nessas câmaras, o filme é substituído por um disco ou cartão de memória no qual as imagens são armazenadas digitalmente. Elas podem, assim, ser transmitidas por meio de linha telefónica para um computador em qualquer lugar do mundo de forma extremamente rápida, já que o processo digital elimina a necessidade de revelação fotoquímica e ampliação.

1993– Glass Tears, de Man Ray, torna-se a fotografia mais cara do mundo, ao ser vendida por US$ 65 mil.

1997– A Maison Européenne de la Photographie (França) realiza a exposição Des Européens, que apresenta 20 fotos inéditas de Henri Cartier-Bresson. A mostra reúne ainda outras 160 imagens realizadas pelo fotógrafo francês entre os anos 30 e 70.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.

Fonte: Escola Focus

Piada do Mês de Outubro

2011-10-01T08:02:00.000+01:00

Diga Cheese...

Cidade São Martinho do Porto

2011-10-01T08:01:00.005+01:00

Deixe o seu comentário!

Escondido

2011-10-01T08:01:00.004+01:00

Deixe o seu comentário!

Dê um toque especial ás suas fotografias

2011-10-01T08:00:00.008+01:00

É bem provável que já tenham visto na televisão em publicidade ou em revistas em que praticamente tudo está a preto e branco, menos um pequeno detalhe – uma pessoa, ou o produto anunciado – que aparece a cores. Este truque é eficaz porque os seus olhos são direccionados para aquela ilha colorida num mar de cinzas. O facto, é que este efeito é fácil e bem divertido.

Na televisão, o truque é alcançado, nalguns acasos, a partir do uso criativo de múltiplas câmaras. No computador, isso pode ser feito a partir de uma única imagem e nem é preciso ter levado esse efeito em consideração quando a imagem foi clicada. E mais: nem é difícil de ser feito é particularmente fácil se o seu editor de imagens oferece suporte a camadas (layers).

A ideia básica é:

1) Obtenha duas cópias da mesma imagem em camadas separadas;

2) Converta uma das camadas para escala de cinzas;

3) Alterne a camada activa para a colorida;

4) Seleccione a parte que quer preservar a cores (utilize para isso a ferramenta de laço);

5) Apague o que não interessa, mantendo a parte desejada (a cor) e aplique-a sobre a camada que está em escala de cinzas.

Vamos mostrar, passo-a-passo, como fazer isso utilizando o Photoshop Elements da Adobe. Nas imagens em baixo, foram utilizadas no Photoshop. Poderá utilizar outros programas de edição que mais utilize.

Duplique a imagem

Abra a imagem no programa de edição e faça uma cópia da fotografia. Clique em Layer, Duplicate Layer e clique em OK. A camada top deve ser seleccionada automaticamente, mas queremos trabalhar com a camada de baixo.

Repare que na paleta de camadas, a camada denomina Background Copy está seleccionada. Clique na camada abaixo desta (Background) que será aquela que iremos converter para escala de cinzas. Para fazer isso, clique em Enhance, Convert to Black and White e clique em OK.

Como estamos a mexer com a camada inferior, nada vai acontecer com a imagem principal. Isso porque a camada superior ainda está colorida e cobre a camada que está a preto e branco, logo abaixo dela. Porém, se observar a paleta de camadas, irá verificar que a camada seleccionada foi alterada.

Selecção do objecto

Agora vamos trabalhar na camada top. Seleccione a camada Backgroup Copy na paleta de camadas. Utilize a sua ferramenta favorita de selecção para delimitar o objecto que quer que permaneça a cores. No exemplo em baixo, foi utilizada a ferramenta laço magnético.

Para usar essa ferramenta, clique numa das pontas da pétala e vá movendo o cursor um pouco de cada vez ao redor das pétalas da flor. A ferramenta irá, automaticamente, seleccionando os limites sem que seja necessário qualquer clique. Mas pode forçar a ferramenta a fazer determinado limite clicando num ponto específico, como num local em que a imagem se curva. Quando tiver finalizado o contorno, dê um clique duplo e verá que as pétalas estarão seleccionadas.

Passos finais

Depois de isolar as pétalas, clique em Select, Inverse e, depois, pressione a tecla Delete para remover tudo o que está fora da área seleccionada. Ao fazer isso, vai perceber que a imagem que está a preto e branco, na camada inferior, irá surgir. Clique em Select e depois em Deselect para desativar essa função.

Pronto, agora basta salvar a sua fotografia editada, que deve ter ficado como a imagem em baixo.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.

Fonte: PC World

Deixe as fotografias amadoras com um ar profissional

2011-10-01T08:00:00.006+01:00

Para melhorar as suas fotografias de viagem, uma boa sugestão é usar a criatividade para buscar um ângulo original e utilizar elementos da paisagem, como linhas e repetições de formas.

Se gosta de fotografia, mas com o tempo percebeu que talvez não tenha jeito para fotógrafo? Para lhe ajudar, foi entrevistado alguns fotógrafos profissionais do ramo que deram dicas para deixar as suas fotografias amadoras com aspecto quase profissional.

Primeiro, é necessário entender que as câmaras automáticas amadoras, como o modelo Cybershot, da Sony, ou o PL 100 da Samsung, não possuem todas as ferramentas disponíveis nas câmaras profissionais, mas, ao mesmo tempo, elas foram feitas para facilitar a vida do fotógrafo. “As câmaras compactas fornecem poucos recursos ajustáveis para o fotógrafo amador. Muitas vezes o fotógrafo regula a sua câmara nalguns programas e a máquina faz os ajustes necessários”.

Uma dica é saber usar o flash da forma correcta, “em locais escuros use o flash, normalmente as próprias câmaras avisam quando ele é necessário, mas não deixe a função ‘flash’ habilitada em locais com boa iluminação, pois isto pode estragar a luz ambiente e vai gastar pilhas ou baterias sem necessidade”.

Durante as férias, se não quer que as fotografias se pareçam com todas as outras já tiradas, procure usar a criatividade. “Deve-se procurar outros ângulos e principalmente trabalhar o primeiro plano. É muito comum um turista parar na frente de uma paisagem e clicar”.“Ao fotografar deve-se levar em consideração se tem profundidade. Ao colocar um objecto em primeiro plano o ganho em termos de enquadramento e criatividade já é muito”.

Outra maneira de fazer com que as fotografias se destaquem é utilizar elementos da paisagem que são visualmente atraentes como linhas e padrões repetidos. “Uma boa fotografia costuma ter certo equilíbrio nas formas. Isto é mais fácil de se obter se o fotógrafo procurar linhas, como a silhueta de postes, prédios, ou a linha do horizonte. Os objectos na cena ficarão melhor distribuídos”.

Para o caso de retratos, é necessário captar tudo o que a pessoa tem a oferecer, extraindo a sua essência, “ as pessoas são basicamente expressões e emoções, então a dica é, chegar perto e captar as texturas, a espôntaneidade. Um erro clássico é mirar no rosto, centralizando a cabeça, com isso a foto fica dividida entre meio corpo e um tecto vazio”.

Para fotografar cenas em movimento, as câmaras fotográficas geralmente contam com uma função específica, muitas vezes ilustrada com alguém praticando esportes. Esta ferramenta fará com que a velocidade de acção da câmara seja mais alta, congelando a imagem, mas existe um problema: “quando se opta por esse recurso, o fotógrafo necessitará de mais luz para fotografar”.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.

Fonte: Mais Dicas

Erros que todos os fotógrafo fazem (ou fizeram) mas ninguém admite!

2011-10-01T08:00:00.004+01:00

Caros leitores, vi este artigo e achei engraçado colocar no blog. (Isto nunca aconteceu comigo... lol) Caso alguém tenha outros erros e que queira expor é só deixar o vosso comentário.

1. Olhar para o LCD para confirmar se fotometrou correctamente
A fotografia digital deixou muita gente pé da vida porque podendo ver o resultado imediato no LCD, os fotógrafos ficaram mais "preguiçosos" em fotometrar com cuidado. Hoje ainda é comum vermos alguns mais radicais que desligam totalmente o LCD e outros que adoram usá-lo. Mas o facto é que todo o fotógrafo que trabalha com câmaras digitais já tirou aquela foto “só para testar a luz.”

2. Inventou uma história fantástica para uma foto que ficou boa sem querer
Certamente alguns dos leitores ficam de uma certa forma irritados, com alguns fotógrafos “artistas” que fazem fotos sem nenhum cuidado técnico e depois dizem que a foto “borrada”, “escura”, “fora de foco” é arte. Mas com certeza pelo menos uma vez todo mundo já fez uma foto maravilhosa sem querer e contou uma história fantástica por trás dela como se tivesse sido tudo planeado.

3. Copiou descaradamente uma foto que viu de outra pessoa
Ah, essa foto é tão bonita, encontrada num blog escondido de um fotógrafo húngaro, ninguém vai perceber se eu fizer uma igual. Não se faz!!!

4. Ficou com vontade de fazer isso com um cliente…

1 2

1. “Eu sei que você espera pagamento… mas estou quebrado” – “E o que eu devo fazer em relação à isso?”

2. Faça o que o seu coração mandar.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.
Fonte: Dicas de Fotografia

A Linha do Tempo I

2011-10-01T08:00:00.003+01:00

1515– O italiano Leonardo da Vinci descreve cientificamente a câmara escura. Percursora das câmaras fotográficas actuais, consiste numa sala totalmente escura, com um pequeno orifício numa das paredes através do qual a luz passa, projectando imagens invertidas dos objectos externos na parede oposta à abertura. No final do século XVI, colocam-se lentes no orifício para melhorar a projecção das imagens.Nesse período, a câmara escura era usada pelos pintores para copiar imagens da Natureza.

1727– O professor alemão Johann Heinrich Schulze constata que a luz provoca o escurecimento de sais de prata. Essa descoberta, em conjunto com a câmara escura, fornece a tecnologia básica para o posterior desenvolvimento da fotografia.

1826– O físico francês Joseph Nicéphore Niépce consegue fixar a primeira imagem fotográfica conhecida, uma paisagem campestre vista da janela da sua casa. Ele coloca uma placa sensibilizada quimicamente dentro de uma câmara escura com orifício para exposição à luz, processo que demora, na época, oito horas.

1835– O pintor francês Louis Daguerre descobre que placas de cobre cobertas com sais de prata conseguem captar imagens, que podem se tornar visíveis ao ser expostas ao vapor de mercúrio. Isso o leva a desenvolver, em 1939, o daguerreótipo, aparelho capaz de fixar a imagem com um tempo menor de exposição (em geral 30 minutos), o que possibilita realizar fotografias mais rápidas. Cada uma ainda é exemplar único, do qual não é possível fazer cópias.

1839-1840– O físico britânico William Henry Fox Talbot cria uma base de papel emulsionada com sais de prata que registra uma matriz em negativo a partir da qual é possível fazer cópias positivas. Esse processo, chamado de calótipo e patenteado em 1841, é mais barato do que o de Daguerre, tornando a fotografia mais acessível e mais presente na vida das pessoas. Entre 1844 e 1846 Talbot publica The Pencil of Nature, o primeiro livro ilustrado com fotografias.

1840– O norte-americano Alexander Wolcott abre o primeiro estúdio fotográfico do mundo em Nova York (EUA), onde realiza pequenos retratos com um daguerreótipo. No ano seguinte, começa a funcionar o primeiro estúdio europeu, em Londres (Reino Unido), dirigido pelo fotógrafo britânico Richard Beard.

1851– O escultor britânico Frederick Scott Archer desenvolve o processo chamado de colódio húmido, negativo feito sobre placas de vidro sensibilizadas com uma solução de nitrocelulose com álcool e éter. O fotógrafo tem de sensibilizar a placa imediatamente antes da exposição e revelar a imagem logo depois. Esse processo é 20 vezes mais rápido que os anteriores e os negativos apresentam uma riqueza de detalhes semelhante à do daguerreótipo, com a vantagem de permitir a produção de várias cópias.

1854-1910– Nesse período desenvolve-se o movimento denominado pictorialismo, que se caracteriza por uma tentativa de aproximação da fotografia com a pintura. Para isso, os fotógrafos retocam e pintam as fotos, riscam os negativos ou embaçam as imagens. Também empregam nas suas obras composições e assuntos característicos da pintura. Os temas são, em geral, paisagem, natureza-morta e retrato. Entre os grandes fotógrafos dessa fase está o francês Félix Nadar, o primeiro a realizar fotos aéreas a partir de um balão, em 1858. Apesar do preconceito de alguns pintores em relação à fotografia, vários se baseiam em fotos para pintar, como os franceses Ingres e Delacroix e, posteriormente, muitos impressionistas.

1855– O britânico Roger Fenton fotografa durante quatro meses a Guerra da Criméia (1853-1856). Para fazer o seu trabalho, transforma uma carruagem puxada por cavalos em quarto escuro, onde revela as chapas. Ao todo, produz 360 fotografias. Realiza assim a primeira grande documentação de uma guerra e dá início ao fotojornalismo.

1861-1865– O norte-americano Mathew Brady faz a cobertura da Guerra Civil Americana e torna-se um dos primeiros fotojornalistas do mundo.

1871– O médico britânico Richard Maddox cria as chapas secas de gelatina com sais de prata, em substituição ao colódio húmido. Fabricadas em larga escala a partir de 1878, marcam o início da fotografia moderna. A grande vantagem em relação ao colódio húmido é que os fotógrafos podem comprar as chapas já sensibilizadas quimicamente, em vez de ter de prepará-las antes da exposição.

1878– O inglês Edward Muybridge reproduz em fotografia o movimento de um cavalo galopando.

1880– Publicação da primeira fotografia pela imprensa, na capa do jornal Daily Herald, de Nova York (EUA). Mas somente no início do século XX o uso de fotografias nos jornais e revistas torna-se comum.

1882– O francês Aphonse Bertillon inventa o sistema de identificação de criminosos através da ampliação fotográfica das impressões digitais.

1888– O norte-americano George Eastman desenvolve a primeira câmara portátil, a Kodak, vendida com um filme em rolo de papel suficiente para tirar 100 fotografias. Terminado o rolo, o cliente manda a câmara inteira para a empresa Eastman, que revela o filme e faz as cópias, devolvendo o aparelho com um novo rolo de filme. O lema da Eastman é "Você aperta o botão, nós fazemos o resto". A simplicidade da câmara Kodak é responsável pela popularização da fotografia amadora. No ano seguinte, Eastman substitui o filme de papel por um de plástico transparente à base de nitrocelulose.

1902– O norte-americano Alfred Stieglitz funda o movimento fotos secessão, no qual a foto passa a ser valorizada como expressão artística própria, diferente das demais artes. Os fotos secessionistas defendem a fotografia sem retoques ou manipulação nos negativos e nas cópias, em reacção ao pictorialismo. A fotografia se aproxima do abstraccionismo, com ênfase na forma e não no objecto em si. O trabalho dos fotos secessionistas é divulgado pela revista Camera Work, fundada por Stieglitz e publicada entre 1903 e 1917. Edward Steichen, Alvin Langdon Coburn e Paul Strand estão entre os principais nomes do movimento.

1907– Os franceses Auguste e Louis Lumière introduzem o autochrome, o primeiro processo fotográfico colorido. Consiste de uma placa de vidro coberta com grãos de amido tingidos (que agem como filtros para as cores primárias) e de poeira preta (que bloqueiam a luz não filtrada pelo amido). Sobre essa placa preparada é colocada uma fina camada de emulsão pancromática (sensível a todas as cores), obtendo-se uma transparência colorida positiva.

1915– Com o aperfeiçoamento dos processos de impressão, os jornais diários começam a utilizar a fotografia com mais frequência para ilustrar as reportagens, em substituição ao desenho. A presença de fotos na imprensa firma-se com os jornais Daily Mirror, de Londres (Reino Unido), e Ilustrated Daily News, de Nova York (EUA).

1919-1938– Ao final da I Guerra Mundial, a fotografia liga-se a movimentos artísticos de vanguarda, como o cubismo e o surrealismo. Fotógrafos como o norte-americano Man Ray e o húngaro László Moholy-Nagy trabalham em estreita ligação com pintores e outros artistas. As técnicas de fotomontagem (manipulação de negativos) e fotograma (imagem directa sobre o papel fotográfico, sem o uso do negativo e da câmera) são amplamente usadas.

1923– O norte-americano Edward Weston introduz a fotografia pura, sem retoques ou manipulações. Ele adopta o uso mais realista e directo da câmara, com certa ênfase na forma abstracta, porém sem impedir a identificação do objecto fotografado.

1925– Na Alemanha surge um estilo realista conhecido como Nova Objectividade, que propõe uma fotografia puramente objectiva, em oposição ao pictorialismo. Seu maior representante é Albert Renger-Patzsch, autor de fotografias que se caracterizam por linhas fortes, documentação factual e grande realismo. Outro expoente do movimento é August Sander.

1925– A empresa alemã Leitz começa a comercializar a primeira câmara fotográfica 35 mm, a Leica, inventada pelo engenheiro Oskar Barnack. Ela dá um grande impulso ao fotojornalismo por ser silenciosa, rápida, portátil e por ter disponíveis diversos tipos de lentes e acessórios.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.

Fonte: Escola Focus

Feliz Aniversário

2011-09-01T08:03:00.002+01:00

Caros leitores, este mês o blog "O Mundo da Foto" faz precisamente dois anos, que foi criado a pensar em vocês amantes da fotografia.

Dou os parabéns a todos os leitores que fazem questão de visitar o blog, são precisamente vocês que me dão apoio para seguir, para que vos possa indicar as melhores dicas e ect.

Os vossos comentários são essenciais para a continuação do blog, uns com melhores criticas outros menos melhores, faz com que possa porpocionar uma boa e simples leitura para os leitores.

Uma boa continução e muitos clik´s.

Piada do Mês de Setembro

2011-09-01T08:02:00.004+01:00

Só no Japão é que acontece estas coisas...

Visto de baixo

2011-09-01T08:01:00.000+01:00

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2011-09-01T08:00:00.014+01:00

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5 Dicas para que as suas fotografias impressas durem mais!

2011-09-01T08:00:00.013+01:00

Sem o cuidado adequado, as fotografias impressas na sua impressora doméstica podem-se apagar rapidamente; veja como mantê-las por muito mais tempo.
É uma triste verdade, mas o brilho das suas fotografias impressas em casa não irá durar para sempre. Com o tempo as cores irão enfraquecer e os detalhes vão se perder. Entretanto, há algumas formas simples e eficientes de prolongar a vida das fotografias impressas. Se quer deixá-las vibrantes e coloridas por muitos anos, adopte as seguintes medidas preventivas:

1- Compre equipamento de qualidade
Invista numa boa impressora, evite cartuchos genéricos ou remanufacturados e use o papel fotográfico recomendado pelo fabricante da sua impressora. Papel genérico, cartuchos “compatíveis” e sistemas de tinta “bulk” podem parecer um bom negócio a princípio, mas as impressões vão durar muito mais se você seguir à risca as recomendações do fabricante. A Epson, por exemplo, diz que fotos impressas com o seu papel e tinta próprios duram até 200 anos quando armazenadas num local escuro, ou 96 anos se exibidas atrás de um vidro.

2- Invista num álbum
Colocar as fotografias impressas num álbum aumenta a sua longevidade, já que isso as protege da luz. Dê um passo além e invista num álbum que use papel “para arquivo” sem ácido. Eles não são tão caros quanto você pensa.

3- Use um porta-retratos
Coloque as fotografia num porta-retratos, protegidas por um vidro e longe da luz do Sol. Uma das formas mais fáceis de estragar uma fotografia é colocá-la em locais que recebe a luz directa do Soll na maior parte do dia, já que a radiação ultravioleta degrada os pigmentos que compõem a tinta. Para os melhores resultados, coloque os seus porta-retratos num local iluminado por luz artificial.

4- Evite a humidade
Evite guardar as fotografias em locais húmidos como um armário no porão ou no sótão. A temperatura ambiente é muito menos nociva à impressão, embora um local fresco, seco e escuro seja o ambiente ideal.

5- Evite empilhar
Evite empilhar as fotografias uma sobre a outra assim que elas saem da impressora. Em vez disso, espere a tinta secar completamente para evitar que as fotos grudem uma na outra e causem falhas na impressão. Embora não seja sempre necessário, a HP recomenda que você espere até 24 horas antes de empilhar as suas fotografias.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.
Fonte: Mais Dicas

Como fazer uma composição com o rácio de Fibonacci (proporção divina)

2011-09-01T08:00:00.009+01:00

Depois de saber que, regra geral, colocar o objecto no centro da fotografia nem sempre é o ideal, e que deve usar a regra dos terços – depois da regra dos terços, vem um detalhe maior: o rácio de Fibonacci. Tal como tudo, a regra dos terços funciona em alguns casos, e é uma óptima ajuda, mas se conhecer e dominar o rácio de Fibonacci na fotografia, verá que nunca olhará para uma fotografia da mesma forma.

O que é o rácio de Fibonacci?
O rácio de Fibonacci foi descoberto por Leonardo Fibonacci por volta do ano 1200, sendo também conhecido como a proporção divina ou número de ouro. Fibonacci apercebeu-se que existia um rácio matemático absoluto que surgia muitas vezes na natureza, uma espécie de ordem universal que desenha a natureza e que a faz ao olho humano, natural e bela. Desde a Renascença que pintores, escultores e arquitectos baseiam as suas obras neste rácio.

A proporção divina pode-se ver em obras famosas como a Mona Lisa ou a Última Ceia, obras de Leonardo da Vinci; hoje em dia até a Apple usa esta proporção em muito do seu design, sendo também usada por muitas empresas de design um pouco por todo o mundo. Embora a regra dos terços seja muito mais fácil de usar, o rácio de Fibonacci pode ser um grande trunfo, se o compreender bem. Por exemplo, em alguns programas de fotografia como Lightroom, existe um overlay que lhe permite fazer um crop à imagem de acordo com esta proporção. Com esta referência conseguirá que esta proporção coincida com as linhas ou pontos de interesse na sua fotografia.

Mais concretamente, a Sequência de Fibonacci consiste numa sucessão de números, tais que, definindo os dois primeiros da sequência como 0 e 1, os números seguintes serão obtidos por meio da soma dos seus dois antecessores. Portanto, os números são:

0,1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,...

Dessa sequência, extrai-se o número transcendental conhecido como número de ouro também conhecido matematicamente como Phi (1,618).

O número de ouro é aproximado pela divisão do enésimo termo da Série de Fibonacci(1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,..., na qual cada número é a soma dos dois números imediatamente anteriores na própria série) pelo termo anterior. Essa divisão converge para o número áureo conforme a tornamos cada vez maior.

Essa sequência aparece na natureza, no DNA, no comportamento da refracção da luz, nos átomos, nas vibrações sonoras, no crescimento das plantas, nas espirais das galáxias, nos marfins de elefantes, nas ondas no oceano, furacões, etc.

Aplicar a proporção divina à fotografia pode fazer com que uma fotografia seja algo que uma pessoa considere agradável à vista, sem saber bem porquê; na realidade o subconsciente humano detecta este rácio inconscientemente.

Para aplicar o rácio de Fibonacci a uma fotografia, basta aplicar o que é semelhante à regra dos terços: uma grelha dividida em 3 partes. A diferença é que em vez de ter a grelha dividida em 3 partes iguais, a grelha que divide a fotografia em 3 partes não se divide em 3 partes iguais divide-se em: 1+ 0,618 + 1.

Nestes casos o ponto dominante está no olhar pois encontra-se numa das intersecções de Phi.

Se ainda quiser ir mais longe, pode optar por aplicar o rácio por inteiro à imagem e ainda conseguir um detalhe maior. Nesta imagem, dá para perceber que existe uma ligeira diferença entre as intersecções das linhas Phi e o local perfeito de Phi. Nesta imagem o centro da face está alinhado pela espiral e o olhar posicionado no ponto mais próximo da Phi.

Neste caso, em vez de se optar por colocar a linha terrestre de acordo com a regra dos terços, esta foi mudada para a linha Phi inferior; colocou-se também o olhar do coelho mesmo na junção das linhas de Phi. Este é um bom exemplo de como se pode obter uma fotografia diferente, na realidade menos previsível.

Se gostaria de perceber ainda melhor o que significa o rácio de Fibonacci na natureza, o ideal será dar uma vista de olhos a este vídeo.

O rácio de Fibonacci é uma excelente ferramenta na composição de uma fotografia, ajuda muito a criar fotografias mais originais, e torna uma fotografia muito diferente do que quando se utiliza a regra dos terços; aliás esta não deve nunca ser vista como uma pequena variante da regra dos terços, porque na realidade a diferença é muito grande. Esta é a grande diferença que faz com que se consiga uma fotografia que naturalmente se gosta.

Fonte: O Meu Olhar

Scanner de Negativos

2011-09-01T08:00:00.001+01:00

Desde o alvorecer da era digital, parece que todo mundo tem uma gaveta esquecida além de carregada de pó, também está cheia de velhos negativos e slides de 35 mm. É normal que essas memórias ocupam esse lugar desde a chegada das câmaras digitais. Há quanto tempo você não vê uma foto da sua infância? Bem, agora com este scanner negativo pode trazer essas lembranças para o século XXI, sem qualquer esforço.

Este scanner não precisa mesmo de um PC para fazer upload de fotos (você pode, se quiser, conectar ao seu PC ou MAC), como as fotos são digitalizadas carregadas directamente para o cartão SD. Tudo que você precisa fazer é carregar os negativos no seu suporte, digitalizar e a máquina faz o resto. Além disso, você verá os resultados no ecrã incorporado, e se você ver que não é do seu agrado pode eliminar com cautela.

Especificações do Fabricante:

Função Principal: Scanner de negativos 35mm autónomo

Cor: Preto

Ecrã: LCD TFT de 2.5 polegadas (resolução de 960x240)

Tempo de scan: 4 segundos por imagem

Suporta:

- Filme 35mm Cores

- Filme 35mm Preto e Branco

- Negativos

- Slides a Cores

- Slides a Preto e Branco

Scan de Imagens:

- Formato das imagens: JPEG

- Sensor de Imagem / Captação: 9MP

- Tamanho da Imagem: 3696 x 2464 pixeis

- Qualidade de Scan: 2400dpi

- Tamanho dos ficheiros: cerca de 2.5Mb por foto

- Obliterador / Shutter: 1/11 seg

Botões:

- Rodar / Baixar

- Espelhar / Subir

- Power ON/OFF

- Slot cartões SD (suporta cartões até 16 GB SDHC)

- Saída TV OUT (para poder ligar directamente a uma TV)

- Alimentador Filme / negativo

- Porta USB / Entrada Alimentação

Ajuste de Imagem:

- Inverter

- Rodar (+/- 90 graus)

- Espelhar

- Selecção do tipo de filme

- Controlo Balanço de Cores (6 níveis)

- Controlo de Exposição (6 níveis)

Alimentação: 5V via USB ou adaptador de corrente (100-240V)

Dimensões: 82mm x 86mm x 152mm (c x l x a)

Piada do Mês de Agosto

2011-08-01T08:02:00.001+01:00

Olhar sobre o infinito

2011-08-01T08:01:00.001+01:00

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S/T

2011-08-01T08:01:00.000+01:00

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Como usar um enquadramento apertado para dar mais ênfase à fotografia

2011-08-01T08:00:00.047+01:00

O enquadramento da fotografia é muito importante, e um bom enquadramento apertado conferirá à fotografia uma sensação de infinito. Quer seja se fotografe já num enquadramento apertado ou se faça posteriormente o crop da imagem (cortar uma determinada parte, re-enquadrando a fotografia) poderá trazer uma nova dimensão à fotografia. Imagine que tira uma fotografia a uma paisagem, posteriormente ao observar a imagem pode constatar que existe um enquadramento mais apertado que dê ênfase a um detalhe do qual não se apercebeu.

Ao pegar num detalhe da fotografia e enquadrar esse detalhe para obter uma nova fotografia, alcançará uma nova perspectiva. Analisando, por exemplo, uma fotografia a um arranha-céus. Nesta fotografia, vê-se o final do prédio.

No enquadramento seguinte - um mais apertado - do mesmo objecto, onde se usa o zoom, ou um cropping posterior, cria-se uma fotografia completamente distinta, devido à sua sensação de infinito. O segundo enquadramento faz com que apenas o padrão tenha relevo, não se percebendo onde começa e onde termina o arranha-céus.

Limitar um padrão a uma determinada área, e posicionar a câmara num determinado ângulo evitando a linha do horizonte, e enchendo o enquadramento com o objecto, significa uma fotografia em plano apertado.

Por exemplo, nas fotografias seguintes, embora ambas tenham uma pessoa no meio de um campo de flores, na segunda imagem, onde o enquadramento é mais apertado, não se sabe onde começa ou termina o campo de flores. Desta forma, na segunda fotografia a sensação de uma imensidão de flores, dá a quem contempla a fotografia uma sensação de infinito, permitindo que a mente divague entre onde começa e termina a fotografia.

Este tipo de enquadramento pode ser aplicado a inúmeras situações, e lembre-se que com esta técnica basta evitar colocar horizontes ou referências que permitam limitar a dimensão da fotografia.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.
Fonte: O Meu Olhar

Como usar as linhas verticais na composição de uma fotografia

2011-08-01T08:00:00.012+01:00

As linhas verticais na composição de uma fotografia são excelentes para dar carácter e criar uma afirmação. Acima de tudo, as linhas verticais criam força, basta imaginar uma fotografia de arranha-céus ou um horizonte de troncos de árvores.

Como dar ênfase às linhas verticais
Se pretende dar ênfase às linhas horizontais, como a famosa linha do horizonte, é necessário usar a fotografia horizontal, pegando na câmara fotográfica na horizontal. Então o que fazer com as linhas verticais? É simples: fotografar na vertical, pegando na câmara na vertical, criando um enquadramento também vertical. Este formato cria drama, pois dá ênfase à altura, aproveitando a direitura das linhas verticais.

Como obter o drama das linhas verticais numa fotografia horizontal
Nem tudo tem de ser feito pelas regras, e também é possível enquadrar um objecto vertical na horizontal, dando uma sensação de que a imagem não consegue contê-lo, especialmente se as linhas verticais forem bastante fortes.

Nesta situação é muito importante manter as linhas verticais alinhadas ao máximo com os lados da imagem. Nem sempre isto é possível de fazer, caso esteja a fotografar o objecto de baixo para cima, e este comece a estreitar para cima, como no caso dos arranha-céus. Porém, para colmatar este problema deve tentar manter o centro o mais recto possível.

Use a regra dos terços
Para que a fotografia tenha uma boa composição, não se esqueça de usar a regra dos terços dividindo a imagem a meio de forma eficaz. Poderá usar este truque para obter um impacto maior, pois conseguirá fragmentar a imagem de forma eficaz.

Crie impacto

Para obter uma imagem com mais impacto, verifique se as linhas verticais formam algum tipo de padrão. Se conseguir que este padrão vertical contraste com outro tipo de imagens com geometrias distintas, e com direções diferentes, obterá certamente uma boa fotografia.

Fonte: O Meu Olhar

Automóveis criados com graffitis de luz

2011-08-01T08:00:00.008+01:00

A técnica lightgraff, ou light graffiti, consiste em desenhar com luz no meio da escuridão, enquanto os movimentos da fonte luminosa são registados por uma câmara fotográfica. As criações e efeitos que possibilita não cessam de nos surpreender. Desta vez os movimentos luminosos revelaram automóveis desportivos de alta gama. Veja o resultado.
A técnica de escrever com luz, designada por lightgraff, simplificação de light graffiti, tem vindo a conhecer cada vez mais adeptos. Os mais puristas, que se auto-intitulam calígrafos, usam-na exclusivamente para escrever. Estes trocaram as tintas, canetas e pincéis por lâmpadas, LEDs e ponteiros laser. Outros preferem o desenho mais genérico, como fez em tempos Picasso. A tudo se presta esta técnica. Dois britânicos, Marc Cameron e o fotógrafo Mark Brown, decidiram verificar isso ao traçar linhas luminosas onde se reconhecessem formas de automóveis.

Audi R8

O resultado foi bem conseguido. Qualquer um dos automóveis é facilmente identificado. Se o desenhador tem inegável mérito ao desenhar traços que só são visíveis pelo fotógrafo no fim de tudo, também é certo que os modelos escolhidos são ícones do design automóvel de linhas vincadas e internacionalmente famosos: Bugatti, Ferrari, etc. Chamamos a atenção para alguns pormenores sofisticados, como as cores da luz ou os pequenos faróis de néon do Audi R8. Sem comentários.

Bugatti Veyron

Ferrari F430

Aston Martin DB9

Morgan Life Car

Fonte: Obvious

O contrato na fotografia – Parte II

2011-08-01T08:00:00.001+01:00

Na primeira parte do artigo contrato na fotografia vimos o que é um contrato, quais as formas possíveis e quais são os requisitos de validade.
Nesta segunda parte trata-se sobre os principais tópicos que devem estar presentes num contrato. Para que todos possam entender, fazer, alterar ou discutir com o cliente ou advogado um contrato, seja ele de cessão, de licença, de reprodução, de venda de um determinado produto ou serviço. Saliento que sempre que estiverem frente a um contrato mais complexo, procurem a orientação de um advogado.

Abaixo será posto os principais tópicos que devem estar presentes num contrato. Em alguns inclui um pequeno texto como sugestão para aplicação, visto que normalmente estes textos não mudam de um contrato para outro, mas é importante estar atento às suas necessidades e adequar ao que você precisa:

Identificação das partes
Identificação das partes contratantes, denominadas Contratante e Contratada (ou Licenciante e Licenciada, Cessionário e Cedente, conforme o caso), devendo conter basicamente: Nome, Endereço completo, CPF, RG (CNPJ no caso de pessoas jurídicas), nome do representante legal e qualificação deste (no caso de pessoa jurídica), cidade, Estado.

Após a identificação das partes, é sugerido o seguinte texto:
“As partes acima identificadas têm, entre si, justo e acertado o presente Contrato de ……….., que se regerá pelas cláusulas seguintes e pelas condições descritas no presente.”

Objecto do contrato
Sucintamente é a operação que as partes visam realizar, se é a contratação de serviço de fotografia ou vídeo de casamento, de reprodução de obras, etc.

Obrigação das partes
Podem ser subdivididas em duas cláusulas: Obrigações do Contratante e Obrigações da Contratada, e deverão conter as obrigações (e direitos, caso seja cabível ao contrato) das partes.

Prazo
Determinação do prazo de cumprimento do serviço, entrega do produto ou duração do contrato.

Rescisão
Neste tópico, deverá constar a possibilidade de rescisão do contrato entre as partes, com a devida imposição de sanção para a parte rescindente. A sanção neste caso pode estar determinada em cláusula própria chamada de “Cláusula Penal”, onde é estipulada uma pena (multa ou rescisão) em caso de descumprimento do contrato ou inadimplemento de uma das partes.

Pagamento
Estipulação do valor contratado entre as partes e forma de pagamento.

Foro
Foro estabelecido entre as partes para resolução de qualquer lide. Sugestão de texto para esta cláusula:

“Fica eleito o foro da comarca do município de ________, com renúncia expressa de qualquer outro, para nele serem dirigidas quaisquer dúvidas oriundas do presente contrato.”

Ao final do contrato, deverá estar presente o seguinte texto, firmando o mesmo:

“E, por estarem assim justos e contratados, firmam o presente instrumento, em duas vias de igual teor, juntamente com 2 (duas) testemunhas.”

(Local, data e ano)
(Nome e assinatura do Contratante)
(Nome e assinatura do Contratado)
(Nome, RG e assinatura da Testemunha 1)
(Nome, RG e assinatura da Testemunha 2)

Atenção: A assinatura de duas testemunhas não é requisito essencial de validade do contrato, apenas o transforma em título extra judicial no caso de execução futura (conforme previsão do Art. 585, II, do Código de Processo Civil brasileiro)

Quanto à maneira de redigir o contrato, poderá ser feito conforme o descrito acima, em tópicos, ou então de forma directa, sem destacar os tópicos. Porém, visando facilitar a identificação, sugira-se que os tópicos das cláusulas fiquem separados.

As informações presentes neste artigo são fundamentadas na legislação brasileira. Alguns princípios são válidos para a legislação portuguesa (informados no decorrer do texto), para maiores detalhes acerca do Direito Contratual em Portugal recomenda-se a consulta da legislação local.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.
Autor: Diogo Ramos
Fonte: Fotografia DG

Piada da Mês de Julho

2011-07-01T08:02:00.000+01:00

Bip... bip

2011-07-01T08:01:00.001+01:00

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S/T

2011-07-01T08:01:00.000+01:00

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O contrato na fotografia – Parte I

2011-07-01T08:00:00.006+01:00

O tema Contratos é recorrente em sites e blogs especializados em fotografia. Porém, de tão importante que é, cabe aqui mais uma exposição a respeito do assunto, para que tenhamos sempre um bom contrato redigido, com todas as especificações necessárias, e que seja revestido de validade jurídica, e principalmente para que saibamos que um bom contrato não é apenas um modelo que pegamos na Internet e trocamos os nomes, é preciso entendê-lo e saber fazê-lo de acordo com as suas necessidades.

Para quem ainda não leu, é importante fazer uma visita primeiramente ao tema de Orçamento Fotográfico, uma vez que o orçamento é o documento que antecede um contrato, sendo este que irá direccionar os moldes do contrato que iremos estabelecer com o cliente.

Este artigo foi dividido em duas partes, sendo a primeira parte uma visão geral sobre contratos, elencando os elementos e requisitos de validade, e na segunda parte (publicada no próximo mês) uma abordagem mais específica sobre os principais tópicos que um contrato de venda de produtos e serviços deve conter.

Parte Geral: Definição de contrato e requisitos de validade

Definição: Contrato é um negócio jurídico, resultante de um acordo de vontades que produz efeitos obrigacionais. O que isso quer dizer? Que a partir de um contrato nasce um vínculo jurídico entre as partes, criando assim direito entre elas. É como se o contrato estabelecesse uma “lei” que vale para as partes contratantes.

Forma: Quando falamos em contrato logo vem à mente duas pessoas assinando um documento, com a denominação clara em cima “Contrato”. Pois bem, engana-se quem pensa que o contrato só tem validade se for escrito, o contrato verbal também é aceito pela legislação brasileira (e portuguesa), muito embora a comprovação das cláusulas pactuadas dependa de testemunhas. Portanto, é possível sim contratar (ou ser contratado) sem que haja documento expresso, sendo que o estipulado verbalmente entre as partes é o acordo determinado.

Porém, devido à dificuldade de se provar o acordo verbal, e bem como a dificuldade de estipular especificidades (as várias cláusulas que colocamos) dentro de um contrato verbal, recomenda-se que todo o serviço ou venda efectuado pelo fotógrafo seja munido de um contrato escrito, e devidamente amparado na lei, para que não tenham problemas no futuros.

Requisitos de validade: Para que um contrato seja legal, ele precisa conter alguns elementos para que possua condições de validade, que pela legislação brasileira (artigo 104 do Código Civil) são:

Capacidade das partes – um aspecto muito importante a ser observado, uma vez que para celebrar contrato as partes tem que ser capazes. Atenção: pela legislação brasileira há uma distinção entre incapazes (menores de 16 anos) e relativamente incapazes (menores de 18 e maiores de 16 anos). O contrato estabelecido com incapazes é completamente nulo, o estabelecido com relativamente incapazes é válido, mas poderá ser anulado por este (relativamente incapaz) de acordo com sua vontade. Portanto, sempre exiga a representação dos pais ou responsáveis para menores de 18 anos.

Objecto lícito, possível e determinado ou determinável – o objecto é a operação que as partes visam realizar e que deve ser legal, sendo também possível e determinado. Portanto, nada de celebrar um contrato onde você estipula algo que não poderá ser cumprido, devido à impossibilidade na execução. Vale lembrar ainda que as cláusulas exorbitantes podem ser anuladas em juízo, isso significa que não se pode convencionar num contrato uma cláusula que seja abusiva para um das partes, sob pena de ser extinta.

Forma prescrita ou não defesa em lei – a forma, como já explanado, pode ser escrita ou verbal, conforme a legislação brasileira e portuguesa.

Importante ressaltar que se o contrato não estiver dentro dos requisitos de validade acima ele é nulo! Portanto, sempre que se deparar com a elaboração de um novo contrato, fique atento à estes elementos!

Na segunda parte será abordado os principais tópicos que um contrato deve conter. Fique atento á próxima edição.

Nota: Este artigo foi feita algumas alterações e correcções ortográficos.
Autor: Diogo Ramos
Fonte: Fotografia DG

Organizar uma Exposição!

2011-07-01T08:00:00.005+01:00

Depois de ter passado algum tempo a tirar fotografias e a acumular imagens, poderá começar a despertar em si o desejo de mostrar o seu trabalho a mais pessoas além do seu círculo familiar e dos amigos. A primeira coisa que tem a fazer, é banir do seu espírito quaisquer dúvidas de que o seu trabalho não é suficientemente bom para que seja mostrado a um público mais vasto. As pessoas não irão rir-se, mas poderão admirar o seu trabalho. Se tiver vontade e ambição, então comece a planear já - nunca é cedo de mais.

Transformar um sonho em realidade
Talvez sinta que ainda não está preparado para montar uma exposição. Se for o caso, então talvez seja melhor prosseguir com a tarefa de construir uma biblioteca de imagens adequadas. Em determinada altura num dia futuro, irá sentir que tem o material certo, e que é a altura própria.
Agora tente imaginar como será a exposição: visualize como irá iluminá-la, como irá dispor as imagens para obter o máximo de impacto, como sequenciar fotografias de forma a criar um determinado ambiente, criar um significado ou uma narrativa. Imagine o tamanho das fotografias e como irão ficar depois de iluminadas. Isto irá ajudar a centrar a sua ideia, a guiar as suas energias, e orientá-los ao fotografar ou imprimir. Outras sugestões:

- Escolha o local da exposição com grande antecedência, uma vez que as galerias mais conhecidas são muito concorridas, e chegam a fazer o seu calendário com um ano de antecedência. Outras galerias poderão ter reuniões de direcção trimestrais ou semestrais, para decidirem o que irão exibir durante o período seguinte. Na outra extremidade da escala, locais como uma biblioteca local ou uma comunidade nas proximidades poderão estar preparados para mostrar o seu trabalho num curto prazo. Em qualquer caso, você precisa de dispor do tempo necessário para que os seus planos amadureçam, e para que o local da exposição possa juntar qualquer coisa à exposição, como seja um concerto ou uma conferência (conforme a temática das suas fotografias).

- Escolha o local criativamente. Qualquer espaço público poderá ser um potencial local para uma exposição - com efeito, alguns espaços aparentemente improváveis poderão ser mais adequados - para alguns tipos de trabalho do que uma galeria "própria". Tenha em conta que a simples presença do seu trabalho irá transformar o espaço numa "galeria", quer seja num shopping, ou num passeio.

- Pense nos gastos com a cabeça, não com o coração. Organize a melhor exposição que puder pagar, não uma que custe mais do que você pode pagar. O objectivo de uma exposição é angariar um público mais vasto para o seu trabalho, não levá-lo à falência ou obrigá-los a um futuro esforço financeiro para poder levar a cabo o seu trabalho.

- Depois de ter decidido qual o espaço que pretende utilizar e de ter obtido todas as autorizações necessárias, faça desenhos do plano de todo o local desenhando também miniaturas das suas fotografias, expostas pela ordem correcta: desta maneira é mais fácil visualizar a eficácia da ordem das fotografias.

Timming
Organizar uma exposição requer um planeamento muito cuidadoso a muitos níveis diferentes, se quiser transmitir uma imagem de profissionalismo, por isso não deixe qualquer trabalho importante como carpintaria, electricidade, emolduramento das fotografias, etc., para um fim-de-semana prolongado ou um feriado, altura em que não terá acesso a pessoal especializado, se alguma coisa correr mal. E deve sempre contar com a possibilidade de algo correr mal.

Elaborar um orçamento
Ao fazer um orçamento dos custos de uma exposição, tenha em conta, não só as suas despesas directas em fotografias, como também os diversos serviços de apoio. Este incluem electricistas, molduras, seguro, construção ou aluguer de painéis para separação do espaço da exposição e ter mais superfícies onde fixar o seu trabalho. Algumas categorias de custos a considerar:

- Custos fotográficos directos - incluindo fazer cópias ou duplicações de slides, se a projecção de imagens fizer parte do seu evento.
- Custos fotográficos indirectos - incluindo retoque, montagem, molduras, e aluguer de equipamento, como projectores.
- Custo da galeria - incluindo aluguer do espaço, depósitos contra danos e aluguer de painéis ou semelhante.
- Publicidade - incluindo o custo de produzir e enviar por correio convites, publicidade em publicações locais, e a produção de um catálogo da exposição.
- Seguro - custo do seguro para cobrir o seu trabalho, responsabilidade pública e danos às instalações.
- Não se esqueça - qualquer que venha a ser o seu orçamento final, haverá sempre despesas imediatas que não pode identificar antecipadamente. Por exemplo, á última da hora, poderá decidir que pretende flores para a noite de abertura. Por isso por precaução, adicione ao seu orçamento final 15% para contingências.

Procurar um patrocínio
Uma maneira de compensar alguns dos custos da organização de uma exposição é através de um patrocínio. O segredo para o sucesso é persuadir potenciais patrocinadores de que o vosso relacionamento irá provavelmente trazer vantagens para ambas as partes. É óbvio que irá beneficiar com o acordo, sendo-lhe oferecido, o uso de um equipamento ao qual de outra forma talvez não pudesse ter acesso, ou a impressão de cópias com descontos, mas qual irá ser a contrapartida para a outra parte?

O melhor método consiste em persuadir potenciais patrocinadores de que, ao disponibilizarem-lhe equipamento ou serviços, eles irão obter algum benefício para o respectivo negócio, ou irão tornar-se mais conhecidos. Por exemplo, ao patrocinarem privados, empresas ou organizações podem ser mencionados em publicações da especialidade, em compensação pela sua ajuda.

Em regra, é sempre mais fácil obter serviços ou produtos do que dinheiro. Material para impressão, espaço para uma exposição, digitalizações, processamentos, e até mesmo comida e bebidas para o noite de abertura são tudo possibilidades, mas dinheiro é pouco provável. E lembre-se de fazer a sua abordagem atempadamente - as organizações dispõem de orçamentos, e, depois de ter sido distribuído o dinheiro reservado aos patrocínios, muitas vezes poderá não sobrar mais nenhum, até ao próximo ano financeiro.

Mesmo que a resposta de um potencial patrocínio seja "não", será possível pedir-lhe algo que poderá ter ainda maior valor - informações. Peça sugestões sobre outras empresas ou organizações que possam estar interessadas em ajudar.

Uma exposição é a sua oportunidade de tornar o seu trabalho conhecido por um público mais abrangente, por isso tire o máximo partido da sua oportunidade, dizendo a toda a gente que conhecer, e incentivando-os a espalharem a notícia.

Finalmente, uma exposição fotográfica envolve muitas pessoas e conhecimentos diferentes. São seus patrocinadores tanto quanto qualquer participante comercial, por isso mostre sempre reconhecimento pela sua preciosa ajuda, sem a qual o seu projecto poderia nunca ter saído da prancheta.

Origens da invenção da Câmara Escura

2011-07-01T08:00:00.003+01:00

A fotografia não tem um único inventor, ela é uma síntese de várias observações e inventos em momentos distintos. A primeira descoberta importante para a fotografia foi a Câmara Escura. O conhecimento do seu princípio óptico é atribuído, por alguns historiadores, ao chinês Mo Tzu no século V a.C., outros indicam o filósofo grego Aristóteles (384-322 a.C.) como o responsável pelos primeiros comentários esquemáticos da Câmara Escura.

Sentado sob uma árvore, Aristóteles observou a imagem do Sol, num eclipse parcial, projectando-se no solo em forma de meia lua ao passar os seus raios por um pequeno orifício entre as folhas de um plátano. Observou também que quanto menor fosse o orifício, mais nítida era a imagem.

Séculos de ignorância e superstição ocuparam a Europa, sendo os conhecimentos gregos resguardados no oriente. Um erudito árabe, Ibn al Haitam (965-1038), o Alhazem, observa um eclipse solar com a câmara escura, na Corte de Constantinopla, em princípios do século XI.

Nos séculos seguintes a Câmara Escura se torna comum entre os sábios europeus, para a observação de eclipses solares, sem prejudicar os olhos. Entre eles o inglês Roger Bacon (1214-1294) e o erudito hebreu Levi ben Gershon (1288-1344).
Em 1521, Cesare Cesariano, discípulo de Leonardo da Vinci, descreve a Câmara Escura numa anotação e em 1545, surge a primeira ilustração da Câmara Escura, na obra de Reiner Gemma Frisius, físico e matemático holandês.

No século XIV já se aconselhava o uso da câmara escura como auxílio ao desenho e à pintura. Leonardo da Vinci (1452-1519) fez uma descrição da câmara escura no seu livro de notas sobre os espelhos, mas não foi publicado até 1797. Giovanni Baptista della Porta (1541-1615), cientista napolitano, em 1558 publicou uma descrição detalhada sobre a câmara e os seus usos no livro Magia Naturalis sive de Miraculis Rerum Naturalium. Esta câmara era um quarto estanque à luz, possuía um orifício de um lado e a parede à sua frente pintada de branco. Quando um objecto era posto diante do orifício, do lado de fora do compartimento, a sua imagem era projectada invertida sobre a parede branca.

Em 1620, o astrónomo Johannes Kepler utilizou uma Câmara Escura para desenhos topográficos. O jesuíta Athanasius Kircher, erudito professor de Roma, descreveu e ilustrou uma Câmara Escura em 1646, que possibilitava ao artista desenhar em vários locais, transportada como uma liteira e em 1685, Johan Zahn descreve a utilização de um espelho, para redireccionar a imagem ao plano horizontal, facilitando assim o desenho nas câmaras portáteis.

Modelos para construir um difusor de flash externo

2011-07-01T08:00:00.002+01:00

Modelo 1

Modelo 1.1

Modelo 2

Ambos os modelos podem ser fixados com elásticos, cola ou velcros.

Podem ser impressas directamente nalguns tipo de papel ou papel comum e usá-lo como um modelo para cortar uma folha flexível de plástico ou papelão para torná-lo mais forte. Você pode usar velcro adesivo para fácil e rápido de aplicar e remover, colocando uma das faces no flash e outro sobre o difusor.

No final deve ficar como está o exemplo em baixo:

Piada do Mês de Junho

2011-06-01T08:02:00.001+01:00

As Chávenas

2011-06-01T08:01:00.001+01:00

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S/T

2011-06-01T08:01:00.000+01:00

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Fotografar Nús - Mulheres

2011-06-01T08:00:00.013+01:00

A beleza do corpo feminino é sempre algo muito interessante de se registrar e de se fazer arte. Não é a toa que a anatomia da mulher sempre foi esculpida, pintada, vista e admirada desde os tempos mais antigos. Por exemplo, quem nunca ouviu falar da Deusa Vénus de Milo, a famosa escultura grega?

A verdade é que fotografar mulheres não é tão simples assim. É preciso muita técnica, bom senso e grande criatividade.

Em baixo darei algumas dicas de como fazer fotos de mulheres com bom gosto.

Esqueça o sexo
Sentir atracção pela mulher fotografada não é de todo o mal, ajuda a sua imaginação e criatividade fluírem, o que resultará num grande ensaio. Todavia, é necessário ressaltar que trata-se de um trabalho profissional e deve manter a sua postura de fotógrafo. Fotógrafos inconvenientes não duram neste ramo.

Fotografia de Rômulo Lubacheski

Ambiente confortável e amigável

Para que a sessão se desenvolva com naturalidade, o mais importante é que a modelo esteja à vontade. Vale dedicar um tempo a pensar no bem estar da sua modelo. Isso inclui a sua atitude com relação a ela também. Trate-a com respeito!

Fotografia de Lucas

Iluminação criativa

Luz e sombra marcada podem gerar grandes resultados. Use iluminação da janela, abajures ou lanternas para criar volume à imagem, ressaltando a textura da pele e as curvas da modelo.

Fotografia de Gustavo Afaro

Brincar com os ângulos

Saia da rotina! Há muitos ângulos engraçados a serem explorados.

Fotografia de Michell Dörr

Detalhes… ah, os detalhes

Mulheres são lindas por natureza. Cada detalhe do corpo é importante e lindo. Os pelinhos da barriga, a pele arrepiada, os mamilos, os cílios…

Fotografia de Mary Kuzmenkova

Retoques e edições posteriores

Dica: Se puder, não os faça! Tente se desprender da beleza imposta e focar-se na beleza natural. A menos, é claro, que você esteja a fotografar para a Playboy.

Fotografia de Leandro Neves

Se for a modelo, o tripé é o seu grande aliado

Se gosta de fotografia de mulheres, mas se não tem modelos ou fotógrafos – para que possa a fotografar – a seu dispor. Portanto, se tiver algumas ideias, o tripé será o seu melhor amigo.

Esta fotografia foi tirada pela própria modelo.

Fotografia de Huaíne Nunes

Nota: Este artigo foi feito algumas alterações e correcções.

Fonte: Fotografia DG.

Citações de Fotógrafos IV

2011-06-01T08:00:00.012+01:00

"O VISOR DA MÁQUINA FOTOGRÁFICA NOS PERMITE VER AS PESSOAS COMPLETAMENTE NUAS... NÃO FISICAMENTE..." (Henri Cartier-Besson)

"QUANDO FAÇO UMA FOTO, QUERO QUE SEJA UM OBJECTO INTEIRAMENTE NOVO, COMPLETO E AUTÓNOMO, CUJA CONDIÇÃO BÁSICA É A ORDEM." (Aaron Siskind)

"FOTOGRAFAR É ENCONTRAR A ESTRUTURA DO MUNDO, REGOZIJAR-SE NO PURO PRAZER DA FORMA, DESVENDAR QUE EM TODO ESTE CAOS EXISTE ORDEM." (Henri Cartier-Bresson)

"A FOTOGRAFIA NUNCA SE REVELA POR INTEIRO QUANDO VOCÊ SE DESMANCHA POR ALGUÉM. ESSAS RELAÇÕES LEMBRAM UMA FOTO POLAROID: A IMAGEM VAI APARECENDO AOS POUCOS." (Mia Farrow)

"QUANTAS PESSOAS SE QUISERAM SE SUICIDAR SE CONTENTARAM EM RASGAR A PRÓPRIA FOTOGRAFIA." (Jules Renard)

"ENQUADRAMENTO SE DEFINE MUITO MAIS PELO QUE NÃO SE MOSTRA DO QUE PELO QUE SE MOSTRA." (Wim Wenders)

A polémica da marca d´água

2011-06-01T08:00:00.009+01:00

A Internet é conhecida pela facilidade da disseminação de conteúdo (o que inclui imagens, fotografias, textos etc.), e também pela falta de credibilidade que essa facilidade atribui. O principal ponto é: quando se preocupar com isso?

Uma das principais questões levantadas por fotógrafos ou não, é: "sujar" as fotografias por quê?

A marca d água, presente nos trabalhos de alguns fotógrafos é motivo de polémica. Alguns defendem a ideia de que pelo simples facto de divulgar um trabalho na Internet, deve estar ciente de que outras pessoas utilizarão. E talvez seja por isso que muita coisa perde a autoria pelo mundo virtual. O ponto da aceitabilidade de disseminação é coerente, se você dispõe o trabalho na Internet, sabe que está sujeito ao famoso “copiar e colar”. Se existe hoje essa utilização de conteúdo na Internet – muitas vezes indevida – é porque de alguma forma houve margem para que isso fosse feito. Se o trabalho está bem feito, não creio que a marca d´água seja suficiente para depreciar a arte. E convenhamos que a prospecção de clientes pela Internet costuma ser introdutória, é uma amostra do trabalho, do tom e estilo do fotógrafo. Obviamente que há outras formas de proteger fotografias: diminuir a qualidade, o tamanho, adicionar informações na configuração da imagem etc. Mas a marca ainda parece o mais efectivo. Censura pelo incomodo que promove.

O hábito do salvar ou copiar e colar é tão grande que o que está na Internet perde a autoria. Pode parecer possessividade defender tal ponto de vista, mas só quem já enfrentou um processo sabe como a marca d´água pode ajudar na comprovação, inclusive quando a mesma é retirada da imagem.

Há os que têm intenção de utilizar imagens indevidamente, os que a usam pela ideia de que na Internet é tudo de todos, a verdade é que não há como separar esse público.

A marca d´água serve tanto para os que sugam as fotos da Internet e deixam de citar o local/autor, quanto para os que pretendem se apossar e para os que apenas admiram e querem compartilhar. Cortes muitas vezes não podem ser evitados – mas de alguma forma dificulta o trabalho dos que tem más intenções.

Se estraga o trabalho? Depende da marca e do quão ela aparece, quando ela começar a roubar os principais pontos da foto, começa a ser inconveniente. Como tudo, senso é necessário, tal qual profissionalismo ao definir uma Logo Marca.

Portanto, utilizar marca d´água em fotos requer consciência e tem utilidades além da possessividade, é uma forma de exigir o direito mínimo de autoria, transformando essa disseminação num acto pelo menos consciente.

Nota: Este artigo foi feito algumas correcções.

Fonte: Fotografia-DG

Participe em concursos fotográficos

2011-06-01T08:00:00.001+01:00

A grande maioria dos concursos fotográficos que existe são honestos. Que tem como objectivo melhorar a qualidade da fotografia, oferecendo prémios e/ou reconhecimento para os fotógrafos que participam. É justamente por esse motivo que entre as regras existentes dos concursos contém uma cláusula sobre utilização das fotografias vencedoras, tais como exibir as fotos vencedoras sem pagamento adicional de direitos para o fotógrafo.

É sobre esse pequeno detalhe que surgiu uma polémica tempos atrás sobre alguns concursos que tomavam o direito do autor da fotografia. Lembre-se que os direitos não devem ser limitados, de qualquer forma eles sempre permanecem com o fotógrafo.

Por esse motivo o fotógrafo Ângelo Coffy preparou algumas dicas para participar e quem sabe, ganhar alguns € em prémios com as suas fotos:

1. Leia atentamente as regras! Saiba onde se está a meter e o que é necessário para participar, pode parecer parvoíce, mas ler as regras pode ser um grande passo.

2. Separe algo original, destaque-se, e só entre com o seu melhor trabalho (o seu melhor trabalho para os jurados pode ser nada além de simples).

3. Ignore as suas ideias iniciais, porque elas provavelmente serão as mais óbvias, e espere até que você sinta que tem algo realmente original.

4. Só participe de competições na qual você se identifica com o tema, pois a paixão pelo assunto vai fazer toda a diferença.

5. Fotografar, especificamente para uma competição, antecipa-se comece a trabalhar as suas ideias com a maior antecedência possível.

6. Use o impacto como seu tema principal. Aqui estão algumas formas simples de impacto: CORES funcionam bem ao colocar os olhos no trabalho, outras são formas, expressões e humor.

7. As suas imagens devem estar bem expostas, compostas e totalmente em foco.

8. Seja original. Tente encontrar algo que mais ninguém pensaria em apresentar.

9. Confira em revistas de fotografia como alguns fotógrafos expõem os seus trabalhos em competições, ter uma boa referência é um bom caminho a ser seguido. Lembre-se que copiar não é nada original, é apenas para ter uma boa base.

10. Ser objectivo e confiar no seu trabalho é um bom começo, mas assim como você, milhares de fotógrafos enviaram os seus trabalhos e para o corpo de jurado o seu trabalho pode não ser o melhor, e jamais deixe um resultado de competição atrapalhar os seus futuros trabalhos.

E evite concursos que você possa perder os direitos autorais das suas imagens. Felizmente, tais concursos são poucos, mas muitos erros já foram cometidos num passado recente. O uso de fotos apresentadas em competições pode conduzir à exploração dos fotógrafos por alguns organizadores. Isso ocorre porque muitas vezes as competições podem ter a regras que incluem frases como:

“… nós nos reservamos o direito de usar a imagem vencedora…”

Se uma imagem não é boa o suficiente para ganhar um prémio, mas é bom o suficiente para ser usada para promover a concorrência ou qualquer outra forma de utilização pelos organizadores da competição, em seguida, o fotógrafo deveria ser pago pelo o uso da imagem! Isso pode ser uma quantia simbólica, mas deve ser pago e os direitos autorais da imagem reconhecendo o fotógrafo.

Procure por algumas competições, e você terá boas chances de ganhar alguns prémios. Boa Sorte!

NOTA: Algumas partes deste artigo foram corrigidas.
FONTE: Fotografe uma ideia.

Piada do Mês de Maio

2011-05-01T08:02:00.002+01:00

A Era do Moinhos

2011-05-01T08:01:00.001+01:00

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Pôr-de-Sol

2011-05-01T08:01:00.000+01:00

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Sondagem

2011-05-01T08:00:00.119+01:00

Votos apurados: 7

Efeito Panning

2011-05-01T08:00:00.115+01:00

O que é o Panning?
O Panning (traduzindo significa panorama), se refere ao movimento horizontal ou rotação da câmara fotográfica, também se refere a pessoas ou objectos em movimento.

Para que serve o Panning?

O Panning vai criar uma forte sensação de movimento e velocidade (exemplo da imagem em cima) sem tirar o foco do assunto principal, utilizando a baixa velocidade de obturador. A ideia é deixar o foco apenas no que interessa, borrando os outros elementos da imagem.

Mas também existe uma outra maneira de fazer o panning. Ao invés de movimentar a câmara é só deixá-la parada e esperar que o objecto em movimento simplesmente passe pela câmara. O resultado será um fundo focado com o assunto borrado.

Como obter um bom Panning?

Segurar a câmara com firmeza e utilizar velocidade de obturador relativamente baixa. A velocidade do obturador sempre vai depender da velocidade do objecto que esteja em movimento, no geral, pode optar por 1/200 ou mais lenta. Se o objecto for bastante rápido (por exemplo um carro fórmula1) pode optar 1/40 seg. que deverá ter bons resultados.

Não poderá esquecer que quanto mais rápido estiver o obturador mais fácil será para deixar o assunto nítido. De início quando começar a praticar o panning, não diminua tanto a velocidade. Comece por tentar colocar um pouco de movimento e tire bastantes até obter os resultados que desejar, até conseguir separar completamente o assunto do fundo.

Tente deixar o objecto sempre enquadrado no mesmo lugar durante toda a exposição. Isso vai garantir uma imagem muito mais nítida e interessante.

Pratique bastante, porque quanto mais rápido estiver o seu objecto, mais dificuldade terá de capturar uma boa imagem.

Dicas para Fotografar Natureza Morta

2011-05-01T08:00:00.112+01:00

Quando se trata de fotografia de Natureza Morta o fotógrafo tem grande controle sobre todos os elementos que compõem a foto. Esse tipo de fotografia não exige espaço e nem é caro, e só vai depender do clima se estiver a fotografar com luz natural. Basicamente, trata-se fotografar qualquer objecto ou conjunto de objectos inanimados e colocá-los num contexto que conte uma história ou transmita uma emoção.

A fotografia digital faz com que seja mais fácil do que nunca aprender essas habilidades. Use a mesa da sua cozinha, algumas luzes simples e um pouco de imaginação, você pode fazer imagens maravilhosas de natureza-morta.

Entre os equipamentos que você vai precisar para fotografar o mais importante sem sombra de dúvidas é um bom tripé. A probabilidade que você irá fotografar com velocidade baixa de obturação é muito grande, a menos que as luzes sejam muito fortes ou você use o flash. Outro bom motivo para que você use um tripé é que ele lhe permite manter a posição da câmara enquanto você ajusta a iluminação e manipula a composição da cena antes de clicar.

Se pretende em fotografar natureza morta, a iluminação é um dos factores mais importantes entre os elementos compositores da fotografia. Há uma ampla variedade de tipos de iluminação disponíveis, desde iluminação de estúdio dispendiosa até lâmpadas de leitura comuns. Se você não tiver nenhum tipo de luz de estúdio, não precisa entrar em desespero. Alguns rebatedores feitos em casa, ou um difusor para a luz do sol, ou o seu disparador de flash podem expandir e aprimorar a sua iluminação.

Quando o assunto é o fundo bom para fotografia de natureza morta temos duas boas opções: o preto e o branco. Eles podem ser feitos com qualquer superfície que você preferir: acrílico, fórmica, tecido, veludo, tela pintada etc. Conforme você adquirir prática e coragem de se aventurar mais, faça testes com padrões e texturas. Ou compre telas de pintura e crie os seus próprios fundos.

Fundo Preto

O fundo inteiramente preto é o tipo de fundo que é sugerido para quem está a começar. Uma boa sugestão é o fundo preto de veludo porque ele absorve qualquer luz que incide sobre ele, o resultado é uma foto sem sombras e reflexos nas fotos. O veludo deve ser colocado de modo que o objecto fotografado fique numa ponta do pano com o resto amarrado por cima de uma armação apropriada. O fundo não pode ter emendas.

Fundo Branco

Um fundo branco pode ser usado mais ou menos da mesma maneira que o preto, com a diferença de que haverá sombras na imagem. Existe uma técnica a ser utilizada com o fundo branco para dar uma impressão que os objectos estão a flutuar no ar. A iluminação do fundo tem que ser separada do objecto e deve ser cerca de dois pontos mais forte que a do objecto a ser fotografado.

Como funciona: Pegue num pedaço de vidro limpo e o apoie entre duas cadeiras. Ajeite o seu objecto em cima desse vidro e ajuste as luzes de modo que o objecto esteja iluminado da maneira desejada. Fotografe de cima com a sua câmara sobre o tripé. No chão, em baixo do vidro, estenda um lençol branco e o ilumine separadamente, de modo a ficar dois pontos mais claro do que o objecto.

Se a leitura do fotómetro do objecto for 1/30 segundo em f/8, então a leitura de luz do lençol deve ser de pelo menos 1/30 segundo em f/16. Assim, você garante que o fundo vai ficar “estourado” e que a distância do objecto até o fundo será grande o bastante para garantir que sairá totalmente fora de foco, sem nenhuma textura visível.

Fundo Translúcido

Caso você compre um pedaço grande acrílico translúcido, você pode expandir ainda mais as suas ideias de natureza morta. O acrílico exigirá algum tipo de moldura de suporte para que se curve suavemente no meio, formando uma espécie de arco. Quando a luz atingir o acrílico de baixo com uma luz separada, o objecto passará a impressão de estar a flutuar no ar.

Há outros tipos de fundos que podem ser utilizados na fotografia de natureza morta. Tecidos que complementem os tons e as texturas do seu objecto, dispostos de maneira a fazer com que a luz crie contornos interessantes que possam produzir resultados incríveis. Olhe para o ambiente ao seu redor e preste bastante atenção para detectar coisas que possam ser usadas como fundos interessantes. Um monte de folhas secas, pedras da praia ou areia podem fornecer textura e forma que adicionam beleza à sua imagem de natureza-morta.

Estes fundos são básicos, mas não tenha medo de fazer experiências. Se você chegar à conclusão de que o seu interesse está na natureza-morta e fotografia de produtos, talvez seja bom pensar em adquirir equipamento de iluminação comercial de estúdio. É recomendado insistentemente que experimente primeiro a alternativa “faça você mesmo”, ainda que for só para aprender. Quanto mais praticar com a iluminação, melhores as suas fotos vão sair.

Os 4 números mágicos na fotografia

2011-05-01T08:00:00.106+01:00

Já questionou qual o significado de cada um dos valores que são mostrados no visor da sua câmara e que encontra nas legendas das fotos e tem receio de interpretá-los, não se sinta mal. Você faz parte da maioria da população, mesmo que só considerando o universo fotográfico. Esses números que por muitas vezes são pequenos desafios, são quatro factores fundamentais actuantes na aparência da foto. Dominar um só deles já pode ser penoso, imagine comandar os quatro de uma vez pode parecer um enigma total, e de facto é assim para a maioria.

A solução para toda essa confusão é começar explicar cada factor separadamente, mas sem nunca esquecer que todos estão interligados.

Observe abaixo as progressões de valores com cuidado, notará que todas elas são geométricas, ou seja, cada etapa é proporcional à anterior. (Note que diversas câmaras também oferecem valores intermediários entre os que são mostrados aqui.) A sequência de círculos no alto representa a abertura do diafragma.

Abertura do diafragma

A abertura refere-se ao diafragma, componente interno da objectiva que nada mais é que uma versão mecânica da íris que todos nós possuímos nos olhos. A abertura em si é o mesmo que a pupila da íris. Da mesma maneira que nossas íris abrem e fecham para dosear a quantidade de luz que entra nos olhos, o diafragma abre e fecha para dosear a quantidade de luz que chega ao sensor de imagem.

A única questão aqui é que a notação da abertura não parece nada conveniente à primeira vista. Quando um fotógrafo fala em “diafragma aberto” e “grandes aberturas”, ele pensa em valores como f/1.4, f/2 e f/2.8. Quando ele fala em “diafragma fechado” e “aberturas pequenas”, ele pensa em f/16, f/22, f/27... É por isso mesmo que existe esse f/ na frente do número: para indicar que se trata de uma fracção. E fracção do quê, você pode querer saber? Nada mais simples: fracção entre a distância focal da lente e o diâmetro da abertura.

Distância focal da lente

Agora a coisa complicou um pouco. Não pareceu tão simples como deveria. Vamos retroceder por uns instantes e explicar a tal distância focal.

A distância focal é o primeiro número que vemos na série dos quatro, porque ele determina fundamentalmente o tipo de imagem que a objectiva irá captar. Uma objectiva qualquer consiste num arranjo de lentes que concentra e direcciona a luz sobre o sensor; é ajustável, mas limitado, daí a grande variedade existente de objectivas. Na prática, você pode pensar na distância focal como um número indicativo do poder de ampliação ou do ângulo de cobertura da lente. Quanto mais elevado o número, mais a lente é capaz de ampliar objectos distantes, e ao mesmo tempo mais estreita é a sua cobertura. No extremo das distâncias focais mais curtas estão as lentes olho-de-peixe, que conseguem captar luz quase de lado; e no outro extremo, com números grandes, estão as teleobjectivas, que aproximam objectos muito distantes. Não tão amplas quanto as olho-de-peixe, mas ainda mais amplas que nossa visão, existem as grande-angulares. Por sua vez, menos longas que as teles temos as médias-teles. E no meio dessa escala estão as normais, que são as objectivas que cobrem aproximadamente a mesma amplitude da visão humana: em torno de 40 a 50mm para câmaras de sensor full-frame e entre 20 e 35mm para câmaras de sensor APS-C.

Tamanho do sensor tem influência na lente

Somente as câmaras digitais topo de gama usam sensores full-frame (que têm as mesmas dimensões dos antigos slides de filme de 35mm). É comum falar em equivalência do comprimento focal porque as pessoas estão acostumadas a pensar em termos de câmaras de 35mm, mas a maioria das câmaras digitais tem sensores menores que o filme, afectando a cobertura das objectivas. A ideia por trás de falar em distância focal equivalente – muito comum ao descrever câmaras compactas –, é expressar qual seria a cobertura da lente se o sensor em questão fosse full-frame e não menor do que full-frame. Quanto menor for o sensor, maior será o efeito de “encompridamento” da objectiva através do estreitamento da sua área de cobertura.

Às vezes você ouve falar em lentes fixas, e noutros lugares, de lentes zoom. As primeiras têm o comprimento focal constante; as segundas têm o comprimento focal ajustável através de um mecanismo deslizante que nas câmeras de bolso é accionado electricamente, enquanto nas câmeras DSLR (reflex) é accionado directamente com a mão na objectiva. As objectivas zoom têm menor rendimento luminoso que as fixas, mas oferecem versatilidade para o fotógrafo enquadrar o assunto “mais aberto” (afastado) ou “mais fechado” (próximo), sem precisar sair do lugar.

Pontos (f-stops)

Voltando ao que dizíamos lá atrás sobre abertura, o ponto aonde estávamos prestes a chegar era a percepção de que, devido a limitações físicas das lentes e à padronização da indústria, os números envolvidos tendem a se repetir de maneira previsível entre produtos e marcas. Assim, as principais marcas de câmaras e lentes produzem, por exemplo, objectivas de 50mm com abertura máxima de f/1.4. Os números aumentam de tal maneira que o dobro do denominador na abertura significa um quarto da luz que entra na lente. Ou seja: a relação é de quatro para um na quantidade de luz entre, por exemplo, f/22 para f/11, ou de f/8 para f/4 e assim por diante. A diferença de dois para um (por exemplo, entre f/8 e f/5.6 ou f/22 e f/16) é o que os fotógrafos chamam de “um diafragma” ou “um ponto” de diferença, também designado pelo inglês “f-stop”. Quando o fotógrafo fala em “dar um ponto” a mais ou a menos de luz, ele está pensando em compensação de exposição, que consiste em ajustar a câmara de maneira diferente do recomendado pelo fotómetro, a fim de obter algum efeito ou atender a circunstâncias especiais de iluminação.

Profundidade de campo

Fotógrafos amadores e profissionais são apaixonados pela objectiva de 50mm f/1.4 porque ela é a maneira mais acessível para se obter efeitos bonitos de desfoque do fundo por trás das pessoas retratadas. O efeito é chamado bokeh, palavra da moda roubada do japonês. A razão do desfoque é que as aberturas maiores produzem foco nítido numa região mais limitada da imagem que aberturas menores. Essa região nítida, cuja extensão é ajustável através da abertura, é o que chamamos de profundidade de campo.

Se quisermos nitidez uniforme numa região mais ampla da imagem, é só fechar mais o diafragma. Mas como isso faz entrar menos luz, num momento você vai ter problemas relacionados com a velocidade da exposição, como luz insuficiente para captar a imagem sem ela ficar acidentalmente borrada.

Tempo de exposição

O obturador é uma peça da câmara que fica na frente do sensor e abre-se para permitir a captura da imagem, fechando-se novamente depois. O tempo de exposição (chamado quotidianamente, porém equivocadamente, de “velocidade”) refere-se à duração que o sensor fica exposto à luz. Com tempos mais longos mais luz entra, e com tempos mais curtos menos luz entra. Simples assim. Isso quer dizer que existe uma gama de combinações possíveis entre abertura e tempo que resultam na mesma quantidade de luz que entra, bastando aumentar uma na mesma proporção em que se diminui a outra. Por exemplo, num ambiente de luz constante, expor o sensor durante 1/30 de segundo com abertura f/8 retém a mesma quantidade de luz que expor o sensor durante 1/60 de segundo com abertura f/5.6.

A decisão importante a tomar aqui (e as câmaras modernas são razoavelmente boas nisso) é a dosagem adequada dos dois valores. Assim como através da abertura você define o quanto do assunto está em foco, através do tempo você define se o movimento dos objectos sairá borrado ou congelado na foto, dependendo da sua intenção estética.

O cálculo da dosagem de abertura e tempo é baseado na medição da luz, feita por um sensor chamado fotómetro, embutido em todas as câmaras modernas.

Sensibilidade

Por fim, a sensibilidade é um conceito auto explicativo; quanto mais sensível for o sensor, mais rapidamente ele captará a luz necessária para formar uma imagem. Sensibilidades maiores permitem escolher velocidades maiores ou aberturas menores, ao gosto do usuário.

Filmes fotográficos são designados por seu valor de sensibilidade ISO. Cada vez que o valor dobra, a sensibilidade dobra, ou seja, metade da luz é necessária para sensibilizar a película. Novamente os valores de ISO são familiares, porque são normas industriais que todas as marcas usam. Esse conceito estendeu-se aos sensores digitais, com uma única diferença importante: um mesmo sensor pode trabalhar em vários valores de sensibilidade ISO. De maneira similar ao filme, quanto mais alto for o ISO, mais granulada, menos colorida e menos nítida será a imagem resultante. Assim, a ideia é sempre trabalhar com o mínimo valor de ISO possível que permita obter fotos de qualidade aceitável. Isso explica também o enorme esforço dos fabricantes para melhorar o desempenho de seus sensores em ISOs altos, pois eventualmente o fotógrafo chega a um ponto que precisaria de mais desempenho do sensor do que já pode obter. Felizmente, a indústria fotográfica promete grandes avanços em tecnologia de sensores para os próximos anos.

NOTA: Este artigo foi feito alterações e correcções nalguns tópicos.

FONTE: www.fotografodigital.com.br

5 erros ao observar fotos de outros fotógrafos

2011-05-01T08:00:00.017+01:00

"Aprender com exemplos não é a melhor forma de aprender – é a única forma de aprender" (Albert Einstein).

Para tirarmos boas fotografias temos que praticar muito, mas também observar muito. E uma boa forma de ir além do que você já conhece é vendo as fotos de outros fotógrafos. Assim aprendemos e abrimos a nossa mente. Um exemplo é visitar blogs ou páginas web por aí, conhecendo os estilos e formas de trabalhar para chegar a um estilo e ter uma forma de trabalhar só seu.

Porém essa observação pode virar uma cilada se não tomarmos cuidado… abaixo alguns erros que podemos cometer:

1. Copiar o estilo de alguém na totalidade

Copiar como forma de treino é uma coisa. Copiamos de vez em quando para treinar e ver o que se encaixa no nosso estilo, montando de uma teia de influências num estilo único. Porém, às vezes nos vemos a copiar 100% as fotos de alguém. Cuidado com isso!

Se você olha para as suas fotos e faz lembrar as fotos de outros fotógrafos, é$ porque tem algo de errado. Tem espaço no mundo (e no mercado) para todos os estilos, vamos cultivar os nossos.

Solução: Perceber que copiar uma foto é muito mais difícil do que fazer uma que se encaixe no seu estilo. Então comece por prestar atenção para não “forçar” uma foto, e sim deixar a foto ir para seu caminho naturalmente (que, por acaso, seria o meu caminho próprio!) É mais fácil ser original do que copiar.

2. Se deprimir

Todos nós já passamos por isso: Quando começamos a fotografar mais seriamente achamos que todas as nossas fotografias são lindas! Mas depois de algum tempo e depois de olhar para as fotos de outros fotógrafos vamos para o lado oposto, achamos que todas as nossas fotos são horríveis e que os outros fotógrafos são deuses maravilhosos e iluminados. Aí nascem dois problemas: subestimamos o nosso trabalho e sobrestimamos o trabalho dos outros. Se pensar assim vai se deprimir e até poderá desistir desta bela arte de fotografar.

Solução: Para não ficarmos deprimidos temos que lembrar que todo o fotógrafo tem os seus pontos fortes e fracos, como nós iniciantes. Analisando todas as fotos (nossas e dos outros) de forma mais técnica e sem emoção percebemos os pontos fortes e fracos no trabalho de todos. Assim aprendemos a melhorar as nossas fotos, mas também a admirar as qualidades de outros fotógrafos com humildade.

Lembre-se: Sobrestimar as nossas próprias fotografias também é prejudicial ao nosso crescimento, pois acabamos por pensar que não temos mais nada para melhorar. "O equilíbrio, sempre o melhor caminho, é também o mais difícil" (Buda).

3. Nivelar as suas fotos por baixo

Um problema quase “oposto” ao anterior é tão prejudicial quanto, ao olharmos para fotos alheias de forma crítica acabamos por notar alguns defeitos aqui e ali. Notará que até grandes fotógrafos têm defeitos e pensa: se o sujeito não dá importância a isso, eu também não vou dar. E assim acaba por nivelar as suas fotos por baixo.

Solução: Não se acomode. Nunca, deixe de fotografar com a máxima dedicação possível. Se algum fotógrafo famoso fez algo de errado, é bem possível que ele não esteja feliz com isso, e copiar o erro pode perder a qualidade das suas imagens!

4. Sobrestimar o equipamento alheio

Jogue a primeira pedra quem nunca olhou para uma bela foto na Rede Social (Flickr, Facebook, etc...) deu uma olhadela e pensou com os seus botões: “mas é claro que a foto é bela, ele/a usou uma câmara super cara e moderna ”. Quem fala em câmaras, falamos em lentes, luzes, cenários e etc...

Solução: Com prática percebemos que mesmo tendo um equipamento limitado em alguns aspectos não deixamos de fazer grandes fotografias. Com criatividade conseguimos sempre chegar aos resultados desejados, sempre!

5. Deixar de lado a técnica

E, por fim, um dos grandes erros da observação: só olhar, mas não observar. Se queremos aprender e nos inspirar é preciso dedicar alguns minutos numa fotografia que vale a pena, realmente pense sobre ela, pense sobre o que a faz bonita.

Solução: Questione! Que luz foi usada? Que distância focal? Como será que o fotógrafo conseguiu fazer isso? O que queria dizer com isso? Se só olhamos sem questionar, não vamos aprender.

Piada do Mês de Abril

2011-04-01T08:02:00.004+01:00

Câmara Mobile

Vala Real

2011-04-01T08:01:00.002+01:00

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Miradouro do Montejunto

2011-04-01T08:01:00.001+01:00

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Como evitar fungos nas lentes fotográficas

2011-04-01T08:00:00.009+01:00

Por que devemos nos preocupar com o armazenamento das lentes?
As lentes são lugares perfeitos para a proliferação de fungos. E ter uma lente “invadida” por fungos é péssimo para a qualidade das suas fotos e funcionamento do equipamento.

Como os fungos chegam na nossa lente?
Os fungos precisam de um local húmido e de adubo para sobreviver. Se deixamos as nossas lentes em locais sem controle de humidade estamos a criar um ambiente perfeito para os fungos sobreviverem. Se este local for de fácil acesso à poeira ou sujeira estaremos também a dar adubo aos fungos.

Como evitar?
Basicamente precisa de fazer duas coisas:

Controle a humidade: humidade a mais dá lugar aos fungos e humidade a menos estraga a sua lente. Você vai precisar de Sílica Gel ou qualquer outro produto de controle de humidade;
Não deixe a lente em contacto com materiais orgânicos: como poeira, estantes de madeira, cases de couro, etc. Uma estante fechada de vidro é a mais indicada.

O que não deve ser feito?

Soprar a lente com a boca;
Usar flanelas, guardanapos e cotonetes para a limpeza dos elementos ópticos;
Guardar o equipamento em mochilas e bolsas que estas servem unicamente para transporte.

Efeito ZOOM

2011-04-01T08:00:00.006+01:00

Efeito zoom? O que será? Certamente já viu algumas fotografias com o efeito e sem saber como o fazer. Neste artigo vou demonstrar como fazer o efeito zoom.

Existem várias maneiras de conseguir esse efeito - algumas durante a captura da imagem, outras no processo de pós-edição.

O efeito zoom proporciona um resultado bastante interessante, e o melhor: não é tão difícil consegui-lo, basta alguns ajustes e um pouco de treino. Precisará programar a câmara para um tempo de exposição mais longo, e usar o zoom enquanto o sensor estiver exposto.

TEMPO DE EXPOSIÇÃO

A câmara permite o ajuste manual do tempo de exposição, programe-o para cerca de um segundo. Mas se a câmara não permite o ajuste manual do tempo de exposição, então vai uma dica!

Ao invés de ajustar a exposição de acordo com a iluminação da cena inteira ("exposure based on the entire frame"), escolha apenas um ponto central como base ("exposure based on brightness of a central point"). Fazendo isso, um ponto aparecerá no centro da tela de LCD da câmara - é através desse ponto que a iluminação será medida, o que modificará o tempo de exposição.

Para uma exposição curta, mire o ponto num objecto claro (de preferência branco) e pressione o botão disparador até a metade; faça o enquadramento como preferir e pressione o botão até o final. Quando quiser congelar uma cena ou caso deseje uma imagem sub-exposta.

Para uma exposição um pouco mais longa, mire o ponto num objecto escuro (de preferência preto) e pressione o botão disparador até a metade; faça o enquadramento como preferir e pressione o botão até o final. Faça isso quando você quiser captar movimento ou caso queira uma imagem super-exposta.

ZOOM

Agora que já programou o tempo de exposição, faça o seguinte: escolha um objecto e pressione o botão disparador até a metade para que a câmara faça os ajustes necessários (sempre levando em conta as dicas acima, se a sua máquina não possui ajuste manual); aperte o botão disparador até ao fim, e enquanto o sensor estiver exposto, faça zoom no objecto.

Caso você não tenha conseguido realizar todo o processo, é possível que a sua câmara não permita a utilização do zoom junto com um tempo de exposição longo. Nesse caso, programe o tempo de exposição, e aproxime manualmente a câmara do objecto.

Aproximar ou afastar manualmente a câmara do objecto pode tornar as suas fotografias muito interessantes, vai ver que nenhuma se fica igual.

Precisará manter a câmara relativamente estabilizada, pois ao trabalhar com um tempo de exposição longo qualquer movimento pode comprometer a fotografia. De preferência, utilize um tripé ou apoie a câmara numa superfície estável. Ao movimentar levemente a câmara para os lados, para cima ou para baixo, você poderá conseguir outros efeitos interessantes.

Ambientes com menos luminosidade favorecerão também são bons para usar esse efeito. Luzes coloridas, como as de faróis de carros, também ficam óptimas.

EFEITO ZOOM APÓS-EDIÇÃO

10 Dicas para fotografia de Paisagem

2011-04-01T08:00:00.003+01:00

Neste artigo, vou mostrar algumas dicas de fotografia, que serão bastante úteis para quem pretende obter os melhores resultados como fotógrafo de Paisagem Natural.

1- Tripé

Por norma, na fotografia de Paisagem Natural utiliza-se valores de ISO baixo (exº ISO 100, para se obter o menor ruído possível) conjugados com aberturas pequenas (exº f/22, para se obter a maior profundidade de campo). Como os ISO’s baixos são pouco sensíveis à luz e uma abertura pequena significa que o diafragma da objectiva está mais fechado, então será necessário um tempo de exposição mais longo para a fotografia ficar exposta correctamente. Nesse sentido, um tripé robusto é uma ferramenta essencial para nos garantir que a câmara fica completamente estática durante a exposição.

2- Bolha de Nível Dupla

Este é um dos acessórios mais importantes para o fotógrafo de Paisagem Natural. A bolha de nível dupla encaixa-se na sapata do flash, garantindo horizontes direitos na horizontal e vertical. Devemos extrair o máximo de uma fotografia no “terreno”, por isso nivelar horizontes posteriormente no Photoshop está fora de questão, essa tarefa não só me iria roubar mais tempo em frente ao computador como ainda iria perder alguns pixeis por cada ajuste tendo em conta que teria de fazer sempre um crop à imagem.

3- Cabo Disparador

Outro acessório essencial e que deverá ser utilizado em simultâneo com o tripé, é o cabo disparador que permite accionar o obturador sem termos contacto directo com a câmara através das nossas mãos. Nesse sentido as fotografias não ficam tremidas sempre que é necessário um tempo de exposição longo. Se não possui este acessório poderá sempre optar por utilizar o temporizador da sua câmara e evitar a trepidação causada pelo contacto manual com a câmara, mas há que ter em conta que esta será apenas uma solução de recurso. Veja-se o exemplo: se quisermos captar um momento numa fracção de segundo ou disparar no modo continuo, ainda que com velocidades lentas, só será possível através da utilização de um cabo disparador.

4- Mirror Lock-Up

Com a utilização do tripé e cabo disparador, podemos reduzir ainda mais a hipótese de trepidações indesejadas, é aqui que entra o mirror lock-up. Depois de seleccionada esta opção na nossa câmara, e após premir o obturador o espelho é recolhido. Se posteriormente olharmos pelo visor da câmara irá aparecer tudo negro porque o espelho já foi recolhido e não reflecte a imagem para o visor. É por isso essencial que o enquadramento já tenha sido escolhido, depois só teremos de premir novamente o obturador para accionar as cortinas e a luz impressionar o sensor. Trata-se de uma funcionalidade a dois tempos e que pode ser bastante vantajosa com o uso de tele-objectivas ou em situações de longas exposições para que se obtenham imagens com a maior nitidez possível.

5- Focagem Hiperfocal

É uma técnica bastante utilizada pelos fotógrafos de paisagem natural, que por norma pretendem obter nas suas imagens nitidez desde o primeiro plano até o infinito. No entanto, quando se houve falar em hiperfocal é sinónimo de dúvidas e confusão. Vamos simplificar: esta técnica assenta no principio óptico básico de a área correspondente aos 2/3 à frente do ponto de foco e a área correspondente ao 1/3 atrás do ponto de foco também aparecerem nítidas. Neste sentido se focarmos no infinito estaremos a desperdiçar a área correspondente aos 2/3 à frente do ponto de foco, por outro lado se focarmos no primeiro plano estaremos a desperdiçar a área correspondente ao 1/3 atrás do ponto de foco. Assim sendo, para maximizarmos a área de nitidez na imagem devemos focar num ponto localizado a 1/3 da objectiva. A dificuldade pode surgir precisamente na localização da marca da distância hiperfocal, a boa noticia é que pode encontrar online inúmeras calculadoras e tabelas que pode imprimir para o ajudar no momento do click.

6- Filtros

Filtro Polarizador Circular
Elimina reflexos de superfícies não metálicas proporcionando cores mais intensas e maior contraste. É extremamente útil para acentuar o azul do céu, intensificar as cores da vegetação e revelar elementos que se encontram debaixo de água.

Filtro de Densidade Neutra
Filtro cinzento igualmente opaco a todas as cores do espectro e que, portanto, não afecta as cores finais da imagem. Utiliza-se quando pretendemos aumentar o tempo de exposição e captar o movimento da água ou nuvens.

Filtro Graduado de Densidade Neutra
Serve para equilibrar as diferenças de luz existentes entre o que está acima e abaixo da linha do horizonte, uma vez que por norma existe sempre mais luz no céu. Na parte superior o filtro é cinzento e opaco enquanto que na parte inferior é totalmente transparente.

7- Grande Angular

Há quem diga que fotografia de natureza é sinónimo de grande angular, se por um lado os filtros permitem um aumento de criatividade a inclusão de uma grande angular na nossa lista de equipamento permite a entrada numa nova dimensão. Estas objectivas apresentam um grande campo de visão e oferecem ao fotógrafo perspectivas de visão únicas.

8- Composição / Regra dos Terços

De nada adianta ter conhecimentos técnicos se na hora de compor uma imagem não tivermos um cuidado especial. A regra dos terços é uma maneira simples e um bom ponto de partida para se conseguir uma composição equilibrada, para utilizá-la deve-se dividir a fotografia em nove quadrados, traçando duas linhas horizontais e duas verticais imaginárias, e posicionando nos pontos de cruzamento o assunto que se deseja destacar.

9- Meteorologia

Na preparação de uma saída fotográfica para o exterior, devemos atempadamente consultar as previsões meteorológicas em sites da especialidade. Para um fotógrafo de paisagem natural não há nada pior do que um dia de céu limpo. A regra é “mau tempo = bom tempo para fotografar”, por isso se as previsões anunciam nuvens e possibilidade de chuva, prepare a mochila e vá fotografar, as possibilidades de captar momentos dramáticos, luz de transição e até um arco-íris serão muito maiores.

10- Golden Hour

A melhor altura para captar as melhores fotografias é antes e a seguir ao nascer e pôr-do- sol. Durante estes dois períodos do dia o sol está posicionado num ângulo baixo, a luz rasante e dourada cria longas sombras horizontais que conferem profundidade ás imagens e em simultâneo as texturas dos elementos são reveladas. Realizar uma sessão fotográfica ao pôr-do-sol é fácil para qualquer fotógrafo, devemos chegar com alguma antecedência e “bater” a zona à procura de potenciais enquadramentos para fotografar na hora mágica. Já a fotografia ao nascer do sol, exige um planeamento mais elaborado: teremos de ter estudado previamente o local a fotografar, ter força suficiente para sair da cama quando o despertador toca (no Verão o sol nasce bastante cedo, por isso é perfeitamente comum acordar as 04:00 AM) fazer o percurso ainda na escuridão da noite e encontrar o local previamente escolhido para estarmos prontos no momento em que os primeiros raios de luz iluminam o spot escolhido.

Temperaturas extremas e a sua máquina digital

2011-04-01T08:00:00.000+01:00

O mundo está cheio de lugares inóspitos. O corpo humano, se bem que com enorme resistência, em situações extremas de temperatura, pode “desligar-se”. E a sua máquina? Como reage ela ao frio polar, à humidade, ao calor e aridez?

Há fotógrafos que não só enfrentam algumas das piores condições atmosféricas possíveis de imaginar, como transportam para esses mesmos locais as suas máquinas fotográficas. Foi por isso que decidi mostrar-lhe como se comportam, genericamente, as câmaras digitais nestas situações. E, acredite, há pequenas curiosidades que não vai querer perder!

Digital contra Frio

Se, na nossa opinião, muitos se queixam, sem razão – quando comparado com o que se conseguia com o analógico – que as suas máquinas mostram muito ruído em ISOs elevados, então fique a saber que uma digital com o sensor “refrigerado” reduz consideravelmente o ruído sempre que se puxa pelo ISO. Mas, acredite, este é mesmo o único benefício de submeter a sua máquina a temperaturas negativas. Assim que chega aos 0º C a sua bateria descarrega muito mais rapidamente, o número de disparos rápidos diminui e o ‘viewfinder’ (óculo) embacia. Mas o pior mesmo é a condensação que dá cabo dos circuitos integrados. No caso dos tripés, até o pouco lubrificante que possam ter congela, tornando as suas juntas mais frágeis.

Lugar mais frio do planeta: Ridge A, um local situado no Planalto Antárctico e onde nenhum ser humano sequer pensou em colocar o pé, foi descoberto no ano passado por cientistas quando procuravam um novo local para instalar um telescópio. A temperatura média no Inverno é de -70º C, podendo atingir os -97º C!

Digital contra Humidade

Bem, depois de alguns dias de calor e humidade entre 80 e 100%, os circuitos integrados da sua câmara ficarão feitos num oito com a condensação – as lentes seguirão o mesmo caminho. Nestas condições extremas, poderá ver-se privado do seu equipamento durante horas, ou mesmo dias, até que o equipamento seque.

Lugar mais húmido do planeta: Alguns dos locais mais húmidos encontram-se junto ao Equador. Cidades perto do Sul e Sudeste da Ásia têm humidade para dar e vender, bem como Kerala na Índia, Manila nas Filipinas e Banguecoque, na Tailândia.

Digital contra Aridez

A junção de areia, pó e vento são o que de pior pode existir à face da Terra, para o seu equipamento digital. Agora imagine locais onde todas estas condições se combinam. Resultado: fotografias arruinadas se o espelho, ou lentes, da câmara forem expostos (nem que seja por milésimas de segundo) a estes elementos. Acredite que dificilmente se verá livre dos mesmos.

Lugar mais árido do planeta: Deserto Atacama, localizado na região norte do Chile. Quanto a isto não há discussões possíveis. Trata-se de um deserto que não vê chuva digna de nome há várias décadas.

Digital contra Calor

Quando aqui falamos de calor não nos referimos àquele que encontra nas praias do Algarve, durante os meses mais quentes. Isso é brincadeira quando comparado com… vulcões. A maior parte das DSLR trabalham dentro duma determinada faixa de temperatura que, uma vez ultrapassada, poderá levar ao mau funcionamento da câmara, ou até ver derretidos elementos electrónicos. Junto aos vulcões, os vapores ácidos são o pior inimigo já que se podem infiltrar no corpo e “estalarem” as lentes num abrir e fechar de olhos.

Lugar mais quente do planeta: O Vulcão Dallol, situado na Etiópia, é considerado por muitos o local mais “quentinho” da Terra, com uma temperatura ambiente média de 34.4º C. Mas em 1975, em Furnace Creek, uma região localizada no estado americano da Califórnia, mais precisamente no “Death Valley National Park”, chegou-se a medir 93.1º C no chão. E em 1992, em El Azizia, na Líbia, viram-se subir os termómetros à incrível temperatura de 57.8º C.

100

2011-03-05T18:11:00.001Z

Quero agradecer aos 100 seguidores que seguem este blog "O Mundo da Foto".
É com algum esforço e dedicação que tenho o prazer de fazer este blog para todos os amantes da fotografia.
Uma boa continuação para todos vós.

Piada do Mês de Março

2011-03-01T08:02:00.007Z

Sem Palavras!!!